todo menos el objeto 2010

Els diners han estat un tema recurrent al llarg de la història. A continuació hi ha un recull de frases sobre els diners que han dit personatges públics amb certa infuència:

“De aquel que opina que el dinero puede hacerlo todo, cabe sospechar con fundamento que será capaz de hacer cualquier cosa por dinero.”
“Si quieres conocer el valor del dinero, trata de pedirlo prestado.”
Benjamin Franklin (1706-1790) Estadista y científico estadounidense.

“Mi sueño es el de Picasso; tener mucho dinero para vivir tranquilo como los pobres.”
Fernando Savater (1947-?) Filósofo español.

“No estimes el dinero en más ni en menos de lo que vale, porque es un buen siervo y un mal amo.”
Alejandro Dumas (1803-1870) Escritor francés.

“El dinero, que ha hecho morir a tantos cuerpos, hace morir todos los días a miles de almas.”
Giovanni Papini (1881-1956) Escritor italiano.

“Algo habrá de malo en la riqueza cuando a todo el mundo le da vergüenza confesar que la tiene.”
Noel Clarasó (1905-1985) Escritor español.

“Estoy absolutamente convencido que ninguna riqueza del mundo puede ayudar a que progrese la humanidad. El mundo necesita paz permanente y buena voluntad perdurable.”
Albert Einstein (1879-1955) Científico alemán nacionalizado estadounidense.

“Un banquero es un señor que nos presta un paraguas cuando hace sol y nos lo exige cuando empieza a llover.”
Mark Twain (1835-1910) Escritor y periodista estadounidense.

“El dinero es una nueva forma de esclavitud, que sólo se distingue de la antigua por el hecho de que es impersonal, de que no existe una relación humana entre amo y esclavo.”
Leon Tolstoi (1828-1910) Escritor ruso.

“El principal valor del dinero radica en que lo estimamos más de lo que vale.”
Henry-Louis Mencken (1880-1956) Periodista y escritor estadounidense.

“El dinero es un estiércol estupendo como abono, lo malo es que muchos lo toman por la cosecha.”
Joseph Joubert (1754-1824) Ensayista y moralista francés.

“El dinero es la tarjeta de crédito de los pobres.”
Herbert Marshall McLuhan (1911-1980) Comunicólogo canadiense.

“El dinero y no la moral es el principio de las naciones fuertes.”
Thomas Jefferson (1743-1826) Político Estadounidense.

“El oro circula porque tiene valor, pero el papel moneda tiene valor porque circula.”
Karl Marx

“Cuando no se tiene dinero, siempre se piensa en él. Cuando el dinero se tiene, sólo se piensa en él.”
Paul Getty

“Por oro no vendas lo que nunca podrás comprar con oro: la tranquila siesta, el satisfecho día, la limpia fama y la conciencia alegre.”
Samuel Johnson

“Con dinero sólo se compra lo que se vende.”
Reinaldo Temprano

És curiós com habitualment s’associa “tenir diners” amb riquesa, quan la riquesa és molt més que el dret a tenir béns/serveis, és gaudir-ne i gaudir de tot allò que els diners no poden comprar.

Sobre Marcel Duchamp:

-L.H.O.O.Q. es una obra de arte de Marcel Duchamp realizada en 1919. Es uno de los ready-mades de Duchamp. Los ready-mades son objetos que han sido producidos en serie, normalmente destinados a un uso utilitario y ajenos al arte que se transforman en obras arte por el mero hecho de que el artista los elija y les cambie el nombre, los firme o simplemente los presente a una exposición artística. En L.H.O.O.Q. el objeto es una tarjeta postal barata con una reproducción de la conocida obra de Leonardo da Vinci, la Mona Lisa, a la que Duchamp dibujó un bigote y una perilla con lápiz y le puso un título.

El nombre de la obra, L.H.O.O.Q. es homófono en francés de la frase «Elle a chaud au cul», literalmente «Ella tiene el culo caliente».

Duchamp realizó varias versiones de L.H.O.O.Q. de diferentes tamaños y soportes. Una de ellas, es una reproducción en blanco y negro de la Mona Lisa sin bigote ni perilla que llamó L.H.O.O.Q. Afeitada.- (http://es.wikipedia.org/)

Ens trobem davant d’un altre cas on la firma de l’artista és primordial per establir que això és una obra d’art. Com pot un folletó imprès industrialment, amb quatre ratlles pintades, esdevenir una obra d’art sense la firma d’un artista reconegut?

Aquesta ha estat l’essència de l’art dels últims anys: l’art ha esdevingut una fàbrica d’elements que tenen valor en quant a mercaderia, en quant poden ésser intercambiats per altres coses. La firma de l’artista em recorda a la firma dels GoldSmith (del primer video) a l’hora de crear valor del no res.

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Anem de viatge. Un cop n’em tornat, el viatge ja no existeix en sí mateix, però existeix en quant a records, fotografies, videos, souvenirs… el mateix passa amb qualsevol realitat ja succeïda: records, fotografies, videos, documents, dades, informacions, textos, objectes, making-offs, obres, museus, webs, representacions… i també passa amb els objectes, en aquest cas amb els diners.

Caminant pel carrer podem suposar si la persona que passa pel nostre costat té molts o pocs diners, i no és pas perquè els portin enganxats al front.

Normalment ens basem en la roba, els complements, la higiene, el pentinat i fins hi tot l’actitud. Si analitzem més la persona podem mirar en quin vehicle es desplaça, a quins llocs va, on viu, què menja… i relacionem els diners que té o no té amb mèrits propis de la persona. Doncs no sempre és així, hi ha molts mecanismes pel qual una persona pot tenir diners “no merescuts”: perquè els hi ha donat algú (ex. pares-fills), perquè els hi ha tocat la loteria, perquè els ha robat, perquè ha estafat o explotat a algú, o perquè (i aquest es el motiu més freqüent) la seva feina genera molts més diners dels que hauria de generar.

M’explico a través d’un exemple: perquè els futbolistes de primera divisió (a espanya, per exemple) guanyen tants diners? Perquè simbolitzen una serie de valors que atrauen a molta gent: esport/salut, honor, rivalitat, victòria, venjança, acció… Quan hi ha partit, les botiques, els restaurants, etc. estàn buits. En aquell moment tot lo relacionat amb el futbol (el camp, la tv, els bars…) s’emporten els diners de milers de negocis. El que vull dir amb això és que el valor simbòlic s’imposa desmesuradament sobre el valor o el mèrit real de les coses.

El que passa amb el futbol passa també amb els objectes, els productes comercials, les marques i les obres d’art. Això no passaria o passaria d’una altra manera si els valors que tenim com a societat fóssin uns altres.

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Disseny, mercatècnia i personatges “cute”: tota una subcultura nyonya

Aquí i a tot arreu, comprem tot tipus de personatges animats i estem influenciats pels personatges de Japó, ja sigui còmics, clauers, o qualsevol altre producte, d’aquesta manera formem part de “la cultura consumista d’una subcultura” molt desenvolupada a Japó. Molt desenvolupada perquè a Japó, personatges com la Hello Kitty o d’altres creats per Sanrio, són tant acceptats que tant homes i dones, adults, joves, nens, nenes, han portat aquest disseny almenys en un complement o objecte al llarg de la seva vida. Per dir-ho d’una altra manera tothom té almenys un objecte de la Hello Kitty a casa seva. Es podria dir que els personatges de Sanrio són com els de personatges de Disney però en versió japonesa.

La plaga Hello Kitty i altres productes de Sanrio s’ha estès moltíssim sobretot a Japó i ha infectat també a països asiàtics com són Corea, Tailandia i Taiwan. Si aquí ja veiem mil productes diferents cada dia, allà és com un empatx constant: llapicers, estoigs per a plomes, quaderns, stickers, i altres objectes, amb la imatge d’aquest tipus de personatges. I no estem parlant de nens de 10 o 12 anys sinó que també de persones amb un rang d’edat d’entre els 23 i els 30 anys que estan dins d’aquesta cultura nyonya de personatges “cute”com també són badtz-maru i keroppi.

Generalment la gent d’Europa i Amèrica Llatina consumeixen més manga i dissenys d’animació que podrien ser la contracara dels personatges “cute” de Sanrio, fins i tot tenen els prejudicis de que un home és efeminat si li agraden els personatges mimosos i tendres com ho són els de Sanrio.

Curiosament els japonesos, coreans i taiwanesos, són molt ambles i aprecien molt el valor de la cortesia, és llavors per aquest motiu que consumeixen aquest tipus de personatge que representen la seva manera de ser? O és al revés: al consumir-lo et transmeten un missatge tendre que afecta a la teva forma de ser? Encara que hem de tenir en compte que tenen tota una gama de personatges i sèries d’animació que representen la violència i que poden arribar a ser massa forts per a la gent d’occident.

Boda Hello Kitty a Hong Kong

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Hello Kitty: ÚNICA en la seva espècie

El “boom” de Hello Kitty porta molt temps dins de la nostra societat i sembla que la comercialització del producte no minvi, sinó que, contràriament, té cada cop més monopoli dins del mercat infantil i no infantil.

Aquesta moda ha aconseguit deixar enrere el que anomenaríem com a una frikada passatgera tipus les Powerbalance, Livestrong, jaquetes Alfa, Tamagotchis o d’altres… per a convertir-se en tot un estil de vida.

I tot ve de un simple dibuix d’un gatet amb un llaç vermell al cap. Com pot tenir tant d’èxit un logotip? La gent es pregunta si la seva popularitat es producte dels dibuixos animats, els còmics, llibres on ha sortit o simplement es tracta d’una simple, però exitossíssima imatge o logotip de marca. La teoria diu que la Hello Kitty ha triomfat des del primer dia, és a dir que no va ser dissenyada per sortir a sèries animades com els personatges de Disney o personatges com Snoopy o Mafalda sinó que es va animar després de que es registrés l’impacte que produïa i això és el que em sembla més sorprenent de la història de la Kitty.

L’Snoopy és un dels personatges principals de la tira còmica Peanuts creada per CharlesSchulz. És el gos d’en Charlie Brown. Va aparèixer per primer cop el 4 d’octubre de 1950.

Snoopy va començar en la tira còmica coneguda com a “Charlie i els seus amics”. La primera edició va ser al dia 4 d’octubre del 1950, fins al dia de la mort de Charles Schulz, al 13 de febrer del 2000.

L’excentrisme és el fort principal d’Snoopy i és el que li dóna l’èxit que comporta, conseqüentment, la venda dels seus productes.

Snoopy

La Mafalda és un cas similar, desenvolupada per Quino des de 1964 a 1973, apareix en una tira de premsa argentina i es “el mirall de la classe mitjana llatinoamericana i de la joventut progressista” que es mostra preocupada per la humanitat i per la pau mundial, i es preocupa pel món manat per les persones grans.

També, al igual que Snoopy, la seva cosina germana: Mafalda té una fama internacional, s’explota al màxim i es reflexa en molts productes diferents.

Productes de Mafalda

Un altre personatge exemplar és el Garfield.

Garfield és una tira còmica creada per Jim Davis, que té com a protagonistes al gat Garfield, al no gaire brillant gos Odie, i al seu amo, l’inepte Jon Arbuckle. El protagonista es diu així per l’avi de Davis, James Garfield Davis, que va ser batejat en honor al president nord-americà James Garfield.

El Garfield és un gat mandrós que només vol dormir i menjar. El seu plat preferit és la lasanya. A les tires apareix com a despectiu cap al seu entorn, egoista i exigent. Odia els dilluns i menjar ratolins, la seva conducta és sibarita i força humanitzada.

L’èxit de la tira ha fet aparèixer dues pel·lícules inspirades en el personatge, productes de marxandatge i adaptacions en dibuixos animats. Apareix a més de dos mil diaris de tot el món i en infinitat de productes.

En Garfield ha anat evolucionant en els anys i ha canviat força; com ho solen fer molts dels personatges de les sèries amb èxit; així com els personatges dels Simpsons o d’altres per adaptar-se i agradar més al seu públic.

L'Evolució de Garfield

Un altre dels mèrits que es pot concedir a la gateta és que des del principi ha conservat els trets més característics i que no ha sofert canvis en el seu físic. Sí que ha fet molts canvis en els seus complements com el llaç de l’orella o la roba per adaptar-se a les modes, però l’estil de dibuix i el físic de la Kitty sempre ha estat el mateix.

Al contrari d’altres personatges com són l’Snoopy o la Mafalda, la Hello Kitty va partir de zero, com ja s’ha comentat, el disseny va aparèixer en un moneder de vinil i a partir de llavors va començar l’era Hello Kitty, que ha tingut els seus moments àlgids i els seus moments fluixos però que va començar ara fa més de 30 anys i encara continua present.

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MIL PRODUCTES

Bosses, coixins, agendes, motxilles, maquillatge, roba, vaixella, electrodomèstics, llenceria,… la Hello Kitty apareix en mil i un productes. A més a més dels productes més obvis, al mercat podem trobar rifles de la Hello Kitty (preocupant), vestits de novia Hello Kitty (trist) pizzes Hello Kitty, paper higiènic, torradores que deixen una imatge de la criatura al pa.

Torradora Hello Kitty

I per mil productes, mil fanàtics col·leccionistes al darrera que busquen els objectes més estranys que ens podem imaginar per posteriorment afegir-los a la seva col·lecció de forma classificada i ordenada, per aconseguir una satisfacció personal.

Què fa que les persones comprin i vulguin col·leccionar objectes amb la marca Hello Kitty?

Segons Ondina Rodríguez “el Objeto de colección trata sobre un modo de reescritura del sujeto, gracias a un desplazamiento semántico que se da en la relación sujeto-objeto y que por supuesto tiene un tinte pasional.”

En primer lloc els objectes en el col·leccionisme parteixen del subjecte que els hi dóna un poder que està connectat amb una relació simbòlica que remet a necessitats o valors del propi subjecte, en segon lloc aquest valor simbòlic assignat a l’objecte, reverteix en el posseïdor del mateix, dotant-lo d’alguna manera d’aquells atributs i desitjos. Els objectes són miralls perfectes de imatges desitjades. L’objecte segons Rheims (1961), és per a l’home una sort de gos insensible que rep carícies i les torna a la seva manera o més aviat les remet com un mirall fidel, no a les imatges reals, sinó a les imatges desitjades.

La recerca progressiva i permanent és un altre aspecte característic de les pràctiques dels col·leccionistes, que els porta a buscar dins d’un cicle recorrent nous objectes. És a dir, l’objecte del col·leccionisme és la sèrie.

Un exemple del perfil col·leccionista de Hello Kitty és el següent:

Col·leccionisme Hello Kitty

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El artista y el coleccionista siempre han estado muy relacionados entre ellos a lo largo de la historia. Antiguamente las colecciones se administraban a los artistas y ellos eran los encargados de poner en escena aquel determinado material, haciendo la composición, distribución en el espacio…

Ahora podemos decir que la cosa ha cambiado, muchos artistas se dedican a coleccionar para poder hacer sus obras y poderlas exponer.

Es por esto que muchos de los artistas necesitan coleccionar (comprando/recogiendo) materiales o objetos diversos de dónde sea para poder crear.

Algunos artistas de estos intentaran vender sus obras, será su método para ganarse la vida y obtener unos beneficios, en cambio también podemos encontrar la versión amateur, que simplemente lo hacen por diversión-hobby.

A continuación haremos un pequeño análisis de artistas-coleccionistas que podemos encontrar en la película “Los espigadores y la espigadora” de Agnès Varda.

Sinópsis: Documental / Por aquí y por allá, en Francia, Agnès Varda se ha encontrado con espigadores, recolectores y gente que busca entre la basura. Por necesidad, puramente por azar o por obligación esta gente recoge objetos desechados por otros. Su mundo es sorprendente. Y la directora también es un especie de espigadora, recogiendo imágenes para este documental tan personal. (FILMAFFINITY)

http://www.youtube.com/watch?v=BA9LxBVY7Zk&feature=related

Este artista se dedica a coger los elementos que necesita de la calle, sabe cuando y en que punto se encuentran los diferentes puntos de recogida ya que el mismo ayuntamiento les proporciona un pequeño mapa para que les sea más fácil encontrarlos.

Este artista se define como un pintor y reciclador. Él cree que si han tenido un pasado también pueden tener otra vida, dice que todavía están muy vivos, sólo darles una segunda oportunidad. Le gusta lo que la sociedad desecha. Pone todo su material coleccionable en una especie de cueva.

“El objeto me hace señas, porque a ella pertenece en cierto modo”.

Este personaje lo podríamos definir como un artista amateur. Es un albañil jubilado y ruso que vive en Francia.

Él se empezó construiendo totems de desechos que encontraba en la basura y los cargaba en su remoque junto a su moto.

Se define como un albañil de basura y la trata como un material muy solido. Hace una colección de basura en los totems que construye y habla de las muñecas como su inspiración considerandolas personajes.

Louis Pons, un artista que su inspiración son los trastos viejos que tiene en su colección particular. Dibuja cuadros con los objetos y después los adapta.

Considera sus objetos como una enciclopedia y habla de ellos como una posibilidad no como un trasto. Con ellos consigue sus pinturas y habla de sus obras como de un orden de los objetos.

Otros artistas-coleccionistas:

Robots en esculturas hechas de materiales reciclados de Will Wagenaar

Will Wagenaar es diferente a los otros artistas porque le gusta trabajar con basura. El utiliza materiales desechados que pueden ser comprados por muy poco dinero o incluso gratuitamente, para hacer increíbles esculturas de robots. Sus creaciones son antiguas y futuristas al mismo tiempo y eso es lo que hace fascinante en como combina viejas partes recicladas en composiciones de robots futuristas.

Es es un artista y diseñador profesional que vive y trabaja en la Florida y ha estado en el medio desde 1972.

Se llama BRENDA (Born To Be Bad Little Girl Robot) y es un Robot Niña,  y ha sido creada por Will Wagenaar.  La dulce y algo alocada BRENDA lleva incorporada la fecha de fabricación y la firma de su papá (el autor o sea Will Wagenaar) y se vende en la tienda on line etsy.com al precio de 395 dólares (280 euros), pero sólo hay una en stock.

También podriamos considerara  Boltanski como un artista-coleccionista, ya que conforma sus exposiciones, trabajos…a partir de colecciones de imagenes y materiales.

Christian Boltanski nació a finales de la Segunda guerra mundial en una familia marcada por el holocausto. De formación autodidacta, comenzó a pintar a los 14 años. Entre 1969 y 1971 comenzó a reconstruir su infancia a partir de fotografías. Su obra está marcada por una intencionalidad de archivo y memoria que va más allá de lo explícitamente presente. Las ropas usadas en sus instalaciones y las fotografías de los que ya no están son recurrentes en su obra como marca de lo ausente.

Hasta aquí hemos llegado…aunque podemos seguir investigando.

Creo que a partir de ahora tendré otro concepto de la palabra coleccionismo y todo lo que puede generarse en su periferia: enfermedad, expresar, acumular, conseguir, recompensa, ganar, amateur, profesional, artista…siempre se puede ir más allá del objeto, investigar su alrededor.

2010_laia juanpere General

“Ellos no tienen dueño y, lo que es peor, son muchos”

Video: la isla de las flores

    Otro de los documentos que vimos en clase es el cortometraje “La isla de las flores” de Jorge Furtado el cual, de un modo distinto al de Varda, nos habla de la vida útil de los objetos, y de cómo se engarzan sus diversos usos. El resorte es un simple tomate y su destino nos explica el proceso de producción y consumo al que pertenece. Una vez desechado por el primer mundo va a parar a los vertederos donde sirve para alimentar a los cerdos. Cuando ni siquiera sirve para eso, es cuando se pone a disposición de los pobres que, en rigurosos turnos, tienen acceso a lo desechado de lo desechado. trataríamos por tanto de un ecosistema artificial producido por el sistema, en el que los pobres son los que se definirían por espigar – en un inquebrantable orden jerárquico- lo que las demás “especies” no consideran apto o digno para satisfacer sus necesidades, del mismo modo que loa animales carroñeros son los que cierran el círculo de la cadena alimenticia.

El cortometraje nos habla de cómo lo descriptivo es capaz de alcanzar la crítica mediante una elección de hechos cuidadosa y cierta dosis de humor negro. Jugando con las definiciones y forzando la lógica de conjuntos, Jorge Furtado dibuja las coordenadas en las que se inscribe no sólo un modelo económico sino las concepciones sociales que implementa. Hurtándose de la emotividad propia de los documentales con vocación de compromiso nos lleva, de forma muy sutil, por el proceso – presumiblemente aséptico y, por ello, el falso tono divulgativo-pedagógico empleado- de producción y consumo del mercado, hasta su estadio final, una suerte de reciclaje que jamás saldrá en la propaganda institucional. Todo ello aderezado con profusión de datos empíricos llevada hasta el absurdo, mezclando aquellos que sí tienen cabida en el discurso (v.g. datos demográficos de la población de Porto Alegre, toneladas de basura producidas) con otros más bien inútiles ( la latitud exacta de la tierra del japonés o el carácter convencional de nuestro sistema cronológico) para acentuar la tendencia al “exhaustivismo” científico de algunos documentales informativos y sus dinámicas matematizadoras y mareantes. A veces parece que se trate sólo de estirar un poco el discurso para encontrar las grietas.

De este modo los tomates sirven para explicar la génesis del comercio, la porquera para explicar la iniciativa empresarial y la propiedad privada de la tierra y los pobres, en fin, para explicar el sentido de todo el proceso.

2010_AndreaGomez General

Fragmento del documetal de Agnès Varda

El documental que vimos en clase nos pone sobre la pista dela génesis del arte povera y lo hace a partir del concepto de hallazgo, de objeto encontrado. Situándonos en las coordenadas de una búsqueda cuyo sentido es legitimado por la intervención del artista que escoge y, de algún modo realza, reintroduciendo esos materiales – reactivados- en el circuito artístico.

En el documental hallamos tres artistas que se dedican a recoger lo que otros ya consideran inútil y darle una segunda vida. El primero de ellos ( VR99) nos ha llamado la atención no tanto por su labor como por la conversación que tiene con la entrevistadora en su taller. Para empezar cabría señalar la acumulación de material que tiene, que más de un periodista no tardaría en diagnosticar como síndrome de Diógenes. Y es que esa tendencia a la acumulación también es una seña de identidad del actual sistema productivo. La diferencia es que, en este caso, es arte en potencia. La última vuelta de tuerca la da Varda cuando señala que todo eso en realidad es nada. Hasta que el artista no lo recomponga, no lo trate y le dé un sentido, no es más que eso, vacío.

El caso del albañil ruso es llamativo por lo siniestro de sus construcciones, diríase sacadas de una película de terror. En cierto modo – como nos recuerda la que parece ser su compañera- el albañil representa el punto en el que se tocan el artista y el amateur, para quién el hacer no tiene más sentido que ese, hacer. Como diría Cioran, el arte se ha vuelto imposible y fácil. Por último tenemos a Louis Pons, que representaría al artista que ya tiene un nicho en el circuito artístico, cuya obra está más acabada y que responde a un armazón teórico firme.

Todos ellos convergen en el punto de partida, espigar la realidad en busca de objetos que pasan desapercibidos o, es más son rechazados, para darles una continuidad, reactivarlos e integrarlos, enriqueciéndolos, en una sociedad que los había dado por muertos. De este modo denuncian el fetiche de la mercancía del que también participa el arte.

2010_AndreaGomez General

Otro de los fenómenos artísticos que por el interés que encierran he considerado que podría tratar en este blog es el del arte povera. El arte povera es una tendencia que surgió a finales de los 60 y se define por el uso de materiales baratos o desechados , desde la madera, el plástico, el conglomerado o la basura, hasta fruta o carne fresca o en descomposición. La elección de sus materiales determina las formas predilectas de esta tendencia, que suelen ser la escultura o los dispositivos montados en lienzos o cuadros,  y tiene como fin la denuncia tanto de la industrialización del mundo contemporáneo como la mecanización de los procesos de creación artística. El arte povera sostiene que, partiendo de lo rechazado por la sociedad, de sus heces, puede surgir el arte.

Comentaremos las dudas que nos ha suscitado este fenómeno a la luz de tres binomios conceptuales:

•    Delimitación del material/alcance: A priori, la limitación de los materiales a objetos desechados podría limitar el alcance de la obra. La idea-motor del arte povera le obliga a utilizar materiales desechados, recubiertos con esa pátina que en China denominan “el lustre de las manos”, lo cual acotaría su lenguaje. Pero la cantidad y variedad de materiales que la sociedad moderna considera inútil permite servirse de prácticamente cualquier cosa y, en última instancia, cualquier disciplina artística implica elegir unos materiales y abandonar otros.

•    Reciclaje/ ideología: Lo que a finales de los sesenta implicaba una denuncia, a saber, la forma en como se reciclaba lo desechado para, mostrado como obra de arte, reprochar a la sociedad misma su dinámica materialista y compulsiva, converge, hoy, con la propaganda institucional. Gobiernos y empresas nos afean la conducta cuando no reciclamos – pueden incluso multarnos- a sabiendas de que es el modelo de producción que ellos impulsan y sostienen el que genera ese exceso de stock. No sólo han integrado un mensaje legítimo, sino que han desplazado la culpa al consumidor. Con esta estrategia le han arrebatado al arte povera parte de su verdad, integrando el reciclaje en los programas políticos y convirtiéndolo en tema de los gabinetes de comunicación e imagen de las grandes corporaciones.

•    Arte/compromiso: Derivado de este último binomio podríamos cuestionar el alcance del mensaje que el arte povera quiere lanzar a la sociedad. Como cualquier tendencia vive en tensión dialéctica con la sociedad en la que se forma y, en este caso, da la impresión de que ésta le ha adelantado- eso sí, por la derecha-. En el momento en el que Iberdrola nos muestra su profunda preocupación por los verdes prados nos damos cuenta de que el concepto de reciclaje está herido, y que su significado está siendo corrompido. Con él, parte del aparato ideológico que implementaba.

Obra de: Louis Pons (Marsella 1927)

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Corren molts videos per internet on s’explica l’origen dels diners. A continuació n’hi han tres que mostren punts de vista diferents sobre el tema.

El primer és un video de “lectura fàcil i entretinguda” que explica de manera simplificada l’origen dels diners i clarifica com funciona la creació actual dels diners, els préstecs, la inflació…IMPRESCINDIBLE:

¿Cómo se crea el dinero ? (part 1/5)

Després de veure aquest video hom entén perquè constantment “pugen els preus” dels productes/serveis. És la conseqüència de la devaluació del diner, ja que d’aquest, cada cop n’hi ha més. Se’n crea més amb cada crèdit, cada préstec, cada hipoteca. I al meteix temps es crea més deute, amb els interessos: uns diners que mai s’han creat.

Si al banc no li han costat res els diners que t’ha deixat, perquè els hi has de tornar amb interessos?

Seria més lògic pagar interessos per diners que et deixa un amic, diners que ha aconseguit treballant (no dic que s’hauria de fer, només dic que seria més lògic).

A continuació hi ha el video d’una conferència de Lluís Maria Xirinacs, polític, filòsof i escriptor català on se’ns explica d’una manera més àmplia (atenent factors socials i psicològics) l’origen de l’economia, del mercat, del treball, de l’empresa i de la moneda. Ens explica també altres sistemes anteriors d’intercambi i en proposa un de nou. El video es dens i poc atractiu, però molt interessant:

Conferència de Lluís Maria Xirinacs en Català (part 1/6)

Conferència de Lluís Maria Xirinacs en Castellà (part 1/6)

El següent documental és bastant sensacionalista però tracta els diners d’una manera encara més amplia, explica com afecten al món: l’origen dels diners, l’evolució d’aquests, les institucions implicades, les estratègies utilitzades, i la creació de guerres: la nova forma d’esclavitud. També proposa una solució radical i utòpica basada en la tecnologia. Li dóna molta importància a la ciència: enginyers, químics, dissenyadors industrials… I ens ilustra un món que utilitza les últimes tecnologies per funcionar: obtenció d’energia, transport, abolició treball, nous incentius per viure… Alhora afirma que aquest cambi radical no es pot efectuar mentres el món es regeixi segons els diners:

La Trampa del Sistema Financiero (part1/13)

Aquests tres videos anteriors ens mostren desde punts de vista diferents l’origen dels diners, l’evolució al llarg de la història i de com aquests afecten a la societat i al planeta. I es que, parlar de diners, significa parlar de persones, de societat, de recursos naturals, de treballar, de menjar, i de tot allò que es pot intercambiar, és a dir, pràcticament tot.

2010_GuillemArenas General