todo menos el objeto 2010

Otro de los contactos que el hombre tiene con un perfume atiende a la parte más material de éste, a lo que le envuelve, a lo que hace que perdure, su frasco.

La finalidad del frasco, su característica más funcional es únicamente la de contenerlo pero desde el primer momento en el que surgen los perfumes en la historia, hay una intención clara de caracterizarlos con originalidad en sus formas, hacerlos valiosos con los materiales empleados o ambas cosas a la vez. Los frascos antiguos son un fiel reflejo del arte y la cultura de cada uno de los pueblos que lo han utilizado y en la época moderna se puede seguir a través de sus formas y diseños todos los movimientos artísticos que han surgido en un momento determinado de la historia.

Por ejemplo, en la antigua Grecia utilizaban la cerámica, por aquel entonces, un material innovador.

Creaban unos recipientes que todavía hoy no han sido superados en belleza. Diseñaron gran cantidad de frascos de cerámica para todos los usos, crearon siete formas de frascos para guardar perfumes y los decoraron con motivos geométricos, o de animales fantásticos o bien de escenas mitológicas o cotidianas de figuras negras o rojas según el tiempo.

Es en la época romana cuando surge el vidrio soplado y se empiezan a crear recipientes mediante esta técnica, un material que va a aportar más flexibilidad, surgiendo frascos con formas más complejas más dinámicas y que irán reflejando la cultura de cada época. Se va avanzando con el paso del tiempo hasta llegar al punto en el que el perfume se convierte en una industria que genera muchísimos puestos de trabajo y mueve cantidades enormes de dinero, nuestra sociedad.

Una de las características de nuestra sociedad es la innovación. En cada momento se intenta superar lo anterior, imaginando, utilizando recursos diferentes, que puedan llevar al éxito.

Esto se refleja en los frascos de los perfumes, la innovación en la utilización de diferentes materiales, así como en las formas.

Esta imagen corresponde a los frascos de colonia de Armand Basi inspirados en las formas caprichosas, que la erosión natural otorga a las piedras, pequeñas joyas de la naturaleza.

La exaltación de lo natural y el carácter esencial de la vida desde el universo urbano. La tecnología frente a la naturaleza se funden para extraer lo mejor de cada entorno. En el interior la fragancia, que sin olerla nos huele a agua fresca de río a canto rodado, a orilla de mar.

Como vemos en este claro ejemplo, nos encontramos, pues, en una época donde lo simple, lo orgánico, todo lo que se asemeje a naturaleza, a sus leyes, es bello. La sublimidad de la naturaleza lo reflejamos en los objetos que nos rodean ya que los consideramos bello.

Al igual que en un perfume de la época del barroco lleva consigo las ideas de la época, esos gustos tan recargados y seguro, que su contenido también es así, un olor extravagante, fuerte, perduradero.

Es curioso como el hombre ha hecho del diseño de los frascos de perfumes un reflejo la sociedad del momento como si de una escultura se tratase.

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¿Cuántas veces has olido un perfume que te encanta en un amigo o compañero de trabajo, te lo compras y al rato no te gusta nada como te queda, te parece pesadísimo y huele totalmente diferente?

Elegir un perfume tiene sus secretos, y debemos tomárnoslo en serio ya que es una forma de proyectar nuestra esencia.

Además hoy en día tenemos a nuestra disposición tiendas que solo se dedican a la venta del perfume, y que por tanto dan bastante importancia al hecho de encontrar una fragancia que vaya con tu personalidad, estilo etc.

Lo primero que debemos tener en cuenta es la diferencia entre perfume, agua de perfume, colonia y agua de colonia. Lo que los diferencia es el porcentaje de esencia que contiene cada uno y por lo tanto su duración. Sus principales características:

• El perfume cuenta con una concentración muy alta, cerca de un 20% de ingredientes esenciales. Dura de 4 a 7 horas en la piel y se debe aplicar con un atomizador para ampliar la zona de aplicación y para no tocar el perfume con los dedos, ya que podría cambiar el olor original.

• El agua de perfume posee un 10% de aceites esenciales y su duración oscila entre las 3 y las 5 horas.

• El agua de colonia tiene un 5% de fragancia y su duración alcanza las 3 horas

• La colonia es la más ligera, ya que posee entre un 2 ó 3% y suele durar unas dos horas desde su aplicación

Una vez que tenemos esto claro, hay que ir con calma a elegir un perfume. Debemos aplicar una pequeña cantidad en una tira de cartón y olerlo en el momento de aplicarlo, y así repetirlo sucesivamente con los perfumes que nos enseñen. Para descongestionar la nariz de tanto aroma concentrado y en tan poco tiempo, muchas perfumerías cuentan con granos de café, el cual tiene unas características especiales que provoca un “reset” en nuestro sentido olfativo. Si no se dispone de granos de café lo ideal sería ir varios días a probar fragancias diferentes.

Una vez que hemos hecho una primera selección, debemos echarnos un poco en la muñeca y olerlo a intervalos de diez minutos, una hora y hora y media., ya que hay que ver cómo evoluciona en nuestro cuerpo, ya que reacciona con nuestro PH y crea un aroma único.

Debemos tener en cuenta que las fragancias están compuestas por muchas capas de esencias, divididas en notas altas, medias y bajas. Las altas desaparecen a los diez minutos, las medias son esencias fuertes que duran alrededor de una hora, mientras que las bajas son la base del perfume y son las que perduran.

Como podemos concluir, el proceso de elección, es otro tipo de contacto que el ser humano tiene con el perfumen. Hoy en día el propio mercado nos ofrece estos medios del modo que entrar en una perfumería se convierte en una cata para el olfato, una de gustación de olores que provocan en nosotros diferentes sensaciones.

2010_Jennifer_ Aranda 2010

Con este juego de palabras intento resumir el siguiente post, en el hablaré de uno de los primeros contactos que una persona tiene con un perfume, la publicidad.

Hoy en día estamos rodeados continuamente de publicidad, la encontramos en el cine, radio, televisión, prensa, calle… recibimos continuamente mensajes publicitarios. Muchos nos incitan al consumo; otros, en cambio, no invitan a adoptar determinadas actitudes. La publicidad, por tanto, es una forma de comunicación persuasiva que pretende informar y, sobre todo, convencer a los destinatarios para que actúen de una forma determinada.

Para llegar a este fin, la publicidad sigue una serie de principios. Uno de ellos y más antiguo (1985) es el principio o regla AIDA:

Atención

Interés

Deseo

Acción

Según esta regla estos son los 4 pasos básicos para que una campaña publicitaria alcance el éxito; esto es, en primer lugar, habría que llamar la atención, después despertar el interés por la oferta, seguidamente despertar el deseo de adquisición y, finalmente, exhortar a la reacción, u ofrecer la posibilidad de reaccionar al mensaje, derivando, generalmente, en la compra.

Pero en el caso de los perfumes ¿Cómo establecer un primer contacto?, ¿Cómo vender un olor sin olerlo? ¿Cómo llamar la atención y producir deseo de adquirir algo inmaterial que no sabes como es?

Si prestamos atención a la publicidad de perfumes, podemos ver que siempre aparecen personas. Éstas, tienen un perfil concreto, con el que se juega para llamar la atención del usuario y que éste sienta una afinidad con el, un deseo de ser el y así despertar un interés en ese perfume, porque teniendo ese perfume esa persona adquirirá esa personalidad. Ese perfume será el espejo de la persona, donde se verá reflejada. Ya puede ser una personalidad, un estilo de vida, un rol etc.

Para demostrar esta tesis, a continuación he analizado los diferentes perfiles que encontramos en el mercado del perfume y los he acompañado con un link de un anuncio televisivo como ejemplo.

MUJER FATAL

Dimensión simbólica:

Este tipo de anuncios se basa en reflejar el estereotipo clásico de belleza que se ha dado lugar durante siglos pasados. Juega con los valores de sensualidad, misterio, elegancia y feminidad siempre acompañada de la gran belleza de la modelo.

Y todas ellas hacen referencia a aquellas mujeres que han pasado a lo largo de la historia como

“mujer fatal”, seductoras y peligrosas pero con un toque de distinción. Entre ellas destacamos las

conocidas: Cleopatra, Salomé, Matahari, Dalila… cuyos rasgos han quedado inmortalizados y convertidos en arquetipos.

El único objetivo que transmite el mensaje del producto es seducir al hombre, por ello la mujer se

convierte en mujer objeto, virtud o defecto que se le ha atribuido a lo largo de la historia.

Dimensión formal:

El principal personaje es la mujer, ocupando un primer plano con una actitud seductora para lo cual

interviene el juego de miradas, poses que despiertan atracción pero siempre elegantes y sofisticadas.

Otro atributo que caracteriza a esta mujer es la melena larga que dibuja formas suaves alrededor del

rostro o dejándola caer por la espalda.

J’adore Dior

DUENDES Y HADAS

Dimensión simbólica

La mujer reencarna los valores de dulzura y delicadeza, recursos que utiliza para llegar a su objetivo, el cual sigue siendo el de seducir al hombre dejando a un lado la técnica agresiva y directa anterior. Es por ello que encontramos anuncios donde se juega con la vitalidad, viveza de colores, movimientos rítmicos para crear un ambiente más jovial e inocente sin perder su objetivo ya comentado anteriormente: seducir.

Ya no aparece la mujer fatal sino una mujer risueña, alegre… El seducir se convierte en flirteo, insinuación.

Dimensión formal

El principal personaje sigue siendo la mujer, que aparece en un ambiente fantasioso y onírico.

Hay concordancia entre todo los elementos que forman el anuncio. Las propias modelos se introducen con su vestimenta, sus movimientos, en su entorno llegando a formar un todo, un mismo plano.

Todos aquellos valores que representan los personajes son reflejados por los colores vivos y formas

irregulares diferentes a la muestra anterior.

Quizás Quizás Quizás-Loewe

LA MODOSITA

Dimensión simbólica

La mujer representa un nuevo rol: la niña pija y con sonrisa permanente que ve la vida de color de

rosa. Este tipo de anuncios presenta la edad de la adolescencia, la “edad del pavo” donde lo que más

preocupa a las jóvenes es su aspecto exterior y lo que puedan pensar de ellas. Ha dejado de lado la

intención de seducir, su nuevo objetivo es el de mostrar a la mujer la vida de color de rosa.

Dimensión formal

Aun cambiando de objetivo la mujer sigue siendo el principal personaje que sigue ocupando el primer plano. Los colores son vivos y alegres creando un ambiente de festividad remitiendo así a la vida de color de rosa. Junto a los colores vivos (sobre todo el naranja), la sonrisa de la mujer aporta otro elemento que concibe una atmósfera de juventud y frescura para el anuncio.

Touch of pink- Lacoste

LEYENDAS DE PASIÓN. VALORES TRADICIONALES

1. Lo tradicional

Dimensión simbólica

Se nos presenta al hombre y la mujer como perfil clásico y jerarquizante de la sociedad. Triunfadores de buena familia que pasan desapercibidos pero de un estilo extravagante.

Los valores a los que nos acercan son la nobleza y la elegancia, con una distinción que los introduce

en el alto escalón de la alta sociedad.

Dimensión formal

Los personajes aparecen en primer plano. Los colores que acompañan son una escala de grises que aportan una sensación de nobleza.

Massimo Dutti

2. Sentido y sensibilidad

Dimensión simbólica

Hombre y mujer, son parejas que transmiten una de las dos sensaciones: romanticismo o pasión.

Su objetivo es difundir los valores de amor, fidelidad, vida en pareja, familia. En un principio los

dos jóvenes representan a esa pareja moderna de hoy en día, aunque se queda en un intento ya que

podemos observar como es la mujer la que recibe y el hombre el que toma la iniciativa.

Dimensión formal

La pareja aparece en un primer plano. Son dos jóvenes atractivos, con ropa sencilla y cómoda

e insinuante que nos inducen a una intimidad llena de sensualidad.

Carolina Herrera 212

3.Eterno amor

Dimensión simbólica

Encontramos la pareja enamorada que remite al romanticismo pomposo y cursi. Remite a la eterna idea del amor parisino.

Dimensión formal

En el anuncio que despierta ese romanticismo encontramos como protagonistas a un hombre y una

mujer, cuyos lazos de unión no solo es el cuerpo con cuerpo sino las mirada y la sonrisas dedicadas

el uno al otro. El ambiente es recargado, colores rosas y pastel son los más adecuados para este tipo de representaciones.

Amor Amor-Cacharel

2010_Jennifer_ Aranda 2010

El movimiento DIY también se ve reflejado en los Toy Art (Do it yourself/ hágalo usted mismo) con el objetivo que el comprador sea una persona activa y ya no simplemente sea coleccionista sino que pueda personalizar sus propios Toys creando una pieza única de arte. De ésta forma diversos artistas, ilustradores y gente anónima con una gran devoción por los toys, han podido lograr resultados increíbles en muñecos seriados que se transforman en piezas con un valor tremendamente personal y artístico, y desplazan el muñeco seriado, impersonal, blanco en un muñeco totalmente único.

En cuanto al Toy mas común, universal y conocido es el Munny de la empresa Kid Robot. Este toy , aparte de venderse pintado y de mil series diferentes, existe en blanco nombrado DIY, para que cualquiera pueda customizarselo a su gusto.

Debajo de estas líneas unas cuantas fotos de originales munnys customizados :

Y un Video de la exposición PLASTICAMENTE de muñecos personalizables de vinilo Munnys de Málaga
VIDEO

2010_JordiRabal 2010 toy art

“La moda no es un arte, pero para dedicarse a ella hay que ser un artista”. Yves Saint-Laurent, el gran maestro de los modistos franceses de la segunda mitad del siglo XX, exponía con estas palabras, en su discurso de retirada del mundo de la alta costura, la relación nunca del todo bien definida entre dos disciplinas complementarias, con múltiples afinidades e influencias mutuas y, sin embargo, en apariencia tan antagónicas: el arte y la moda.

“Cuando trabajo con la tela sobre los maniquíes es como si estuviera esculpiéndoles el cuerpo”, confesaba recientemente el aragonés Manuel Pertegaz, exponiendo su punto de vista sobre el asunto. “La costura es arte. Hay texturas, color, tiene algo de arquitectura, y todo eso no se improvisa: lo importante es la idea”. Similares inquietudes, por poner un último ejemplo, llevaron al malogrado Manuel Piña a afirmar en su última colección había “pintura, escultura y poemas de amor”.

La reflexión actual sobre el valor artístico de la moda no es en modo alguno superflua. Antes bien, se antoja imprescindible en un momento histórico como el que vivimos, en el que las fronteras entre el Arte con mayúsculas y el diseño están cada vez más difuminadas, y en el que el segundo, del que tan sólo una manifestación es la moda, está penetrando con descaro en los templos consagrados en exclusiva desde hace siglos al primero.

Creo que se puede decir que en cierto modo, la moda y el arte son muy buenos amigos, de tal forma que ciertos diseños de autor son verdaderas creaciones artísticas. Y hay veces en las que el arte se sirve de lo textil para sus creaciones. Ambas disciplinas se influyen mutuamente.

En el otoño de 1965, el mítico Yves Saint Laurent creó un sencillo vestidito basado en la pintura de Mondrian, prenda convertida ya en un clásico inmortal.

Otro ejemplo reside en John Galliano para Dior , fascinado por los maestros de la pintura holandesa de los siglos XVI y XVII -Vermeer, Rembrandt, Porcellis y cía- reinventa la ‘maison’ por excelencia en un retablo de las maravillas en el que tienen cabida las cerámicas de Delft, las sedas plisadas y estampadas del Renacimiento, el exotismo de las plumas engarzadas en tocados de tul y los omnipresentes trazados del legado de ‘monsieur’ Dior. Rojo pasión, azul celeste, blanco níveo, rosa y amarillo, colores de una colección sacada de un Museo que hará disfrutar el doble a los nuevos compradores de ‘Couture’, los asiáticos, que matarán dos pájaros de un tiro: vestir Dior e ‘invertir’ en los fondos del Rijksmuseum.

Aunque la relación entre las dos disciplinas es más que evidente, y está claramente presente, no evolucionan en paralelo. Puede parecer que sí, pero la forma de conceptualizar y plasmar una corriente en cada disciplina es muy distinta. El mundo de la moda, sigue siendo tan sumamente amplio hoy en día -y cada vez más-, que cada temporada se presentan y se aceptan colecciones recargadas, diferentes, arrojadas, alocadas, creativas, tan dispares entre ellas, que se aceptan todas. Aunque en cada colección, cada firma de moda presente una imagen muy distinta a cada una de las demás, se acepta todo, todo es permitido y posible..

De este modo, creo que el mundo del arte -aunque en este tema me siento menos familiarizada- presenta rasgos más conservadores y menos liberales y arrojados. Aunque además de mantener menos perfil comercial en los medios generales, el mundo del arte es más cerrado, y desconocido. Aquí, también difieren los dos campos: porque aunque el mundo de la alta-costura sea selectivo y sólo para unos cuantos afortunados, impregna a todos y entra en las conversaciones y en los ojos de casi todo el mundo. Por otro lado, creo que el mundo del arte, hoy en día -aunque obviamente estando muy presente y vivo- posee menos repercusión social, y en los medios. Es aún más selectivo que el de la moda.

Y esto creo que se da, justo por toda la periferia que rodea el objeto. Toda la periferia existente en el mundo de la moda, es MUY importante para su desarrollo y expansión social: desde una inmensidad de revistas como “vogue”, accesibles a todo el mundo, pasando por “celebrities” que dan su imagen a marcas, anuncios en todas las esquinas de una ciudad, hasta los millones de bloggers de moda que ahora se han puesto tanto de moda. En fin, cualquier uno podría escribir, opinar, y defender su visión u opinión personal en el mundo de la moda.

Como decía antes, el mundo del arte actual es distinto. Resulta más desconocido, menos popular, y menos divulgado -que no quiere decir, que no esté presente. Simplemente en menor medida que el de la moda-. Además, estéticamente también evolucionan de manera distinta. La moda sigue y prima por una manera y forma de belleza y estética distinta a la del arte del siglo XX y XXI. En la moda -incluyendo obviamente en todo el discurso, el calzado, que no deja de formar parte de la moda- todo es permitido, estéticas distintas, recargadas, complicadas, coloridas, extravagantes, etc. Además, cada casa y diseñador siempre se basa en un concepto fuerte para desarrollar toda la colección, como hemos visto antes con Dior..

El arte resulta bastante distinto, al seguir unos cánones pienso que más estrictos, y sencillos, que tienen como resultado una estética muy distinta a la que defiende la moda. Algo mucho más simple, y aunque rompedor, menos impactante y visual quizás.

Aun así, todas las vías del arte están relacionadas. Con lo cual, creo que no podrían vivir el uno sin el otro..

Espero haber conseguido plasmar en este trabajo, la belleza, complejidad e importancia del calzado. Si es que resulta que sin ellos, no podríamos vivir..

Laura Pedrosa.

Fuentes: http://www.revistaarte.com/numero52/moda.html ; http://www.elmundo.es/yodona/albumes/2009/01/26/dior_couture/index.html ; http://blogs.clarin.com/-quieres-ser-ms-wintour-/tag/peuque/ ;

2010_LauraPedrosa 2010 arte, calzado, moda, zapatos

Pero el mundo del toy no acaba solo en el coleccionismo, son muchas las marcas, empresas, que utilizan este medio para comercializarse, darse a conocer o entrar en este mundo “cool”, alternativo, con el fin de vender más a las masas.
Por el año 2006, vimos multitud de veces un anuncio de Opel protagonizado por unos toys, en este caso C.M.O.N.S. Se dice que fueron parte de la campaña del Corsa desde el principio, en apariciones en restaurantes de moda, grafitis y campañas de marketing viral. Las siguientes grandes marcas que se han unido a esta tendencia en España han sido Seat Altea XL y FNAC; como Opel, también han recurrido a la utilización de muñecos para crear imagen de marca. Y es que el fenómeno de los Art Toys, en el que compañías y artistas utilizan el formato del muñeco como soporte artístico, está en plena ebullición.

Toys Anuncio Opel Corsa

Toys anuncio Seat altea XL

Otro caso son los muñecos que son personalizados para una marca, como el caso de grandes marcas como, adidas, bmw, pepsi, louis vuitton o levis que han pedido a un diseñador que les pinte un muñeco con el logotipo de su empresa, con el fin de hacer un marketing para un tipo de clientes, o simplemente ser el regalo al comprar unas zapatillas o algún accesorio de dicha marcas.

Toy de regalo de navidad de unas zapatillas adidas

Bmw toys

Toys para PepsiEdicion limitada de Toys para Levi’s

Y todo tipo de personajes del mundo de la televisión y el comic transformados en un muñeco de vinilo para los fans más incondicionales. Como los ejemplos de futurama, los Simpsons, Lost, Batman…y un sinfín de posibilidades

2010_JordiRabal 2010 toy art

Para introducir el tema de la copia, a continuación podemos ver algunos términos relacionados y definidos por la Real Academia Española:

Copia.

(Del lat. copĭa).

1. f. Acción de copiar. La copia de obras de arte está legislada.

2. f. Muchedumbre o abundancia de algo.

3. f. Reproducción literal de un escrito o de una partitura.

4. f. En los tratados de sintaxis, lista de nombres y verbos, con los casos que rigen.

5. f. Obra de arte que reproduce fielmente un original.

6. f. Reproducción exacta de un objeto por medios mecánicos. La copia de una llave.

7. f. Imitación de una obra ajena, con la pretensión de que parezca original.

8. f. Persona que se parece mucho a otra. Pedro es una copia de su padre.

9. f. Pintura o efigie que representa a alguien.

10. f. Cada uno de los ejemplares que resultan de reproducir una fotografía, una película, una cinta magnética, un programa informático, etc.

Copiar.

(De copia).

1. tr. Escribir en una parte lo que está escrito en otra.

2. tr. Escribir lo que dice alguien en un discurso seguido.

3. tr. Sacar copia de un dibujo o de una obra de pintura o escultura.

4. tr. Imitar la naturaleza en las obras de pintura y escultura.

5. tr. Imitar servilmente el estilo o las obras de escritores o artistas.

6. tr. Imitar o remedar a alguien.

7. tr. En un ejercicio de examen escrito, ayudarse consultando subrepticiamente el ejercicio de otro examinando, libros o apuntes.

8. tr. poét. Hacer descripción o pintura de algo. En Argentina, u. c. prnl.

Imitar.

(Del lat. imitāri).

1. tr. Ejecutar algo a ejemplo o semejanza de otra cosa.

2. tr. Dicho de una cosa: Parecerse, asemejarse a otra.

3. tr. Hacer o esforzarse por hacer algo lo mismo que otro o según el estilo de otro.

Imitación.

(Del lat. imitatĭo, ōnis).

1. f. Acción y efecto de imitar.

2. f. Objeto que imita o copia a otro, normalmente más valioso.

Falsificar.

(Del lat. falsificāre).

1. tr. Falsear o adulterar algo.

2. tr. Fabricar algo falso o falto de ley.

Falsificación.

1. f. Acción y efecto de falsificar.

2. f. Der. Falsedad

Plagiar.

(Del lat. plagiāre).

1. tr. Copiar en lo sustancial obras ajenas, dándolas como propias.

2. tr. Entre los antiguos romanos, comprar a un hombre libre sabiendo que lo era y retenerlo en servidumbre.

3. tr. Entre los antiguos romanos, utilizar un siervo ajeno como si fuera propio.

4. tr. Am. Secuestrar a alguien para obtener rescate por su libertad. 

Leyendo estas definiciones nos damos cuenta que hay una diferencia entre copiar/ imitar i falsificar/ plagiar. Los dos últimos verbos tienen una connotación negativa, de ilegalidad.

A partir de esta observación, en la página web http://cita.es/imitaciones/  habla sobre lo que es o no legal entorno a la imitación y la falsificación de los objetos, poniendo algunos ejemplos interesantes para poder diferenciar entre imitación, término legal, y una falsificación, termino ilegal

IMITACIONES SIN FALSIFICACIONES

Por Miguel Ángel Gallardo Ortiz ingeniero criminólogo, perito judicial.

Es difícil profundizar más en las diferencias entre imitaciones y falsificaciones sin utilizar ejemplos que inevitablemente hacen perder generalidad al planteamiento pericial. Tratando de mantener esa generalidad, se analizan a continuación algunos paradigmas de imitaciones perfectamente lícitas, distinguiendo entre lo imitable y lo inimitable legalmente.

Entre los personajes de Walt Disney podemos diferenciar al Pato Donald y al Ratón Mickey como personajes inimitables legalmente sin la debida autorización de Disney, porque están suficientemente caracterizados como para ser considerados, de manera clara y distinta, como una creación incuestionablemente original. Sin embargo, no puede decirse lo mismo de Bambi o de los 101 Dálmatas porque ciervos y cervatillos o perros dálmata representados como dibujos con la mayor definición posible, pero sin caracterización singularizadora, no son tan protegibles como Donald y Mickey , que sí son creaciones. Donald es bien diferenciable de su competidor el Pato Lucas de la Warner Bros y ambos son mucho más diferenciables aún de los muñecos de ventrílocuo de Jose Luis Moreno con Rockefeller o de Mari Carmen y su muñeco Nicols . Pero las representaciones pretendidamente fieles de animales no son tan diferenciables, y en todo caso, sería muy discutible cualquier derecho sobre cuanto toma a la mismísima realidad como modelo artístico, o como referente industrial, o como inspiración intelectual.

En España se ha producido un curioso fenómeno policial y judicial promovido por una marca de joyería que comercializa unos osos carentes de la más elemental caracterización, porque la “copia cotejada ante funcionario de la Oficina Española de Patentes y Marcas del Modelo Industrial 135.127″ que aporta a sus denuncias en varias Comisarías y Cuarteles de la Guardia Civil representa a un oso muy genérico de los que internacionalmente pueden encontrarse muchos similares conocidos como “Teddy Bears”. La historia de los Teddy Bears se remonta al 14 de noviembre de 1902, hace ya más de un siglo, cuando el presidente norteamericano Theodore Roosevelt asistía a una cacería mientras trataba de resolver una disputa fronteriza entre Mississippi y Louisiana. Cuando apareció un joven oso, él decidió indultarlo impidiendo que fuera cazado por sus compañeros de cacería. De este hecho se hizo eco el Washington Post cuyo ilustrador Clifford K. Berryman dibujó algo muy parecido al dibujo que sirve de base y prueba de los supuestos derechos de una conocida marca de joyería, que sistemáticamente denuncia y consigue la incautación por policías y juzgados de todo cuanto se parezca al oso genérico que consideran de su exclusiva propiedad.

http://cita.es/imitaciones/

http://www.rae.es/rae.html 

2010_ClaraBalmanya 2010

“Kenji Kawakami assumes a serious expression as he brandishes an over-sized fork with an onboard motor. Carefully lulling over his words, he decides that English won’t cut it and speaks in his native tongue.

Kito, my friend and interpreter, translates. “Japanese like to make everything in their lives as easy as possible…”

“Anything, everything,” Kawakami excitedly interjects in halted Americanese. “So, for example,” he twists the fork manually, spinning an imaginary plate of unresponsive noodles with a look of mock pain behind his Ambervision sunglasses, “this is a fault of ordinary fork. And so I got new idea.” He presses the button on the handle, and the implement starts twirling and clacking like a weed-whacker.

“The first fault I got rid of, but I got another new, more bigger problem.” He holds the vile silverware up to his face and pantomimes getting splashed with sauce.

“Everything, every Chindogu like this,” he chortles.

That is to say, Chindogu solves one problem of life but creates a larger one in the process—a tool that exists on the edge of reason. Translated literally, it means “unusual implement” or “unusual tool.” Dan Papia, who heads the Los Angeles-based American chapter of the 10,000-strong International Chindogu Society, chose a much more sly and accurate term when titling his translation of Kawakami’s work “101 Unuseless Japanese Inventions.” (W.W. Norton, $11.95)

Now in its third printing, the success of the book has proven that America is ready to accept the teachings of Chindogu. At a time when variety dwindles further and further as corporate feedbags consolidate, the lesson could not have come too soon.

It’s not just the subtly scathing satire behind the Noodle Eater’s Hair Guard, the Telephone Dumbbell, the Full-Body Umbrella and 500 other such products that make them such powerful statements; it’s simply the fact that they exist. Each is real—more than just a simple prop held by a glum model in one of the four books Kawakami has published in Japan. The Automated Noodle Fans, Eye Drop Funnel Glasses, and Portable Crosswalks he makes are concrete reminders of how off-kilter humanity can become.

“I hate the Japanese way of product… so this is my irony and protest,” says Kawakami, seated on an old couch in his cramped Tokyo office, which is tucked away in the Big Egg City district. He has spoken his mind about Japan all his life, from his student days protesting Vietnam to his more recent crusade against karaoke (”Karaoke has invaded the world, and it’s not an export item.”).

The room is a heap of tools, parts, pieces of disemboweled products, and unearthly objects (e.g., a four-foot coil of incense) that seems as if it should exist only in the nether regions of Ronco inventor Ron Popeil’s mind. It’s all too real, however, this place where each year 80 or so Chindogu are chosen by Kawakami to receive life at a workbench in the corner. Behind it sits the secretary who has doubled as a model on numerous occasions (most memorably for the photos of the 360-degree Panorama Camera and the Hydrophobe’s Bath Body Suit).

While editing a popular Japanese home-shopping magazine ten years ago, Kawakami unleashed the first batch of Chindogu onto its pages as a lark, without anticipating that these inventions would resonate so deeply. People sense on some innate level that Chindogu is more than just a joke. Perhaps Duster Slippers for Cats and Automobile Parasols appeal to the darker side of our consumer consciousness.

Japanese people related to Chindogu so strongly that a cult-like following developed. In Europe, it was heralded as art (”a recontextualization of consumer fetish,” the critic might say). Since Papia’s translation came out in the States, an American who runs a novelty products company has written Chindogu headquarters asking if he can sell them in his catalog. Though Kawakami is reluctant to label Chindogu anything, he will say—with slight annoyance—”Chindogu not party food.”

As Kawakami says, “This is just not only for make laugh.” It’s a code of ethics that’s so pure, yet so cleverly subversive, it should be taught in business schools. In fact, despite the life his creation has taken for itself, giving him little choice but to continue with it, Kawakami thinks up Chindogu as a mental practice to hone his creativity for sales promotion and marketing consultation.

Pondering this Chindogu/corporate symbiosis raises a discomforting notion. What real products out there are by definition unuseless products? Kawakami has given this matter some thought.
“Chindogu depends on country, depends on each person,” he notes. He illustrates how the American dependence on slicing and dicing devices seems silly to the Japanese, for whom cutting food with a knife is something of a sacred art form. I try to defend the U.S. by mentioning the popularity of the Ginsu knife a few years back, but Kawakami is out of his seat already, digging up (with a raucous cascade of metal) a plastic blob that, after some handling and the insertion of a plastic rod, turns out to be an inflatable umbrella he purchased in Tokyo.

A finer point about the sad state of consumerism could not have been dreamed up by the Chindogu factory. And something about that bothers me. I ask Kawakali, through Kito, how the intent of Chindogu can be satirical if the explanation behind tenet seven states: “…[Chindogu] should not be created as a perverse or ironic comment on the sorry state of mankind.”

We wrangle with the wording for a good five minutes, and though Kawakami tries to understand what I’m asking, we finally have to give up and leave that one unanswered. Something must have been lost in the translation.”

Por Steve Wilson

unos links interesantes;

http://chindogu.com/chindogu/

http://bitacora.chiquiworld.com/category/que-inventen-ellos/

2010 Mikel Garate 2010

Sembla increïble que una fórmula secreta pugui arribar tant lluny i arribar a influenciar d’una manera tant brutal, en tants àmbits, ja no només alhora de consumir un bon producte sinó la simbologia que s’ha creat al seu voltant.

La Coca-Cola ha adquirit tal lideratge, que esta per sobre de molts altres productes. Ha intentat marcar tendències en la societat, a través de mantenir un estil publicitari intel·ligent, que ha anat evolucionant paral·lelament als esdeveniments històrics i socials; que  ha tingut en compte els comportaments dels diversos sector socials, els interessos, les modes, les formes de relació de les persones, el rol social i laboral de la dona… i d’aquesta manera ens puguem sentir identificats. Utilitzant missatges que apel·len directament a les emocions, ja que som sers racionals però també emocionals, i les emocions ens condicionen alhora d’elegir.

Unes idees que sense adonar-nos estan en el nostre subconscient i que relacionem amb la marca: la vida sana, el plaer,  l’amistat, els bons records, la superació personal o la felicitat.

Diuen que la millor publicitat es aquella que no es nota, la que passa desapercebuda però que després tothom en parla. Que millor que per aconseguir això, parlar d’una cosa a la que tots aspirem. Tots volem la felicitat, tot hi que cadascun de nosaltres l’associa amb diferents aspectes, però hi ha coses que en general a tots ens fan més o menys feliços: la salut, l’amor, la llibertat… Si una empresa aconsegueix associar els estats d’ànim gratificants, amb la seva marca, és el màxim. Perquè les persones, si troben aquests estats d’ànim voldran consumir el producte , o encara millor, pensaran que per arribar a la felicitat necessitaran consumir-la. Això és el que ha aconseguit Coca-Cola, associar-se amb les coses bones de la vida. Sembla increïble que amb una gasosa s’arribi fins aquí. El més curiós es que Pemberton, va inventar una medicina per al mal de cap i  gràcies a que des de 1886 ens han inculcat aquest pensament per associar la Coca-Cola a l’optimisme, la joventut, les ganes de viure… quan repeteixes tantes vegades això durant tant de temps, acaba calant. tot això no ho fa el fet que tingui bon gust, ni que tingui gas, ni que tregui la set, això ho tenen altres begudes, el que té Coca-Cola és que tots l’associem als bons moments. Tan és el que venguis, el més important és saber-ho vendre.

Aquesta forma d’observar la societat es un dels seus principals èxits. Generant un resultat beneficiós a partir d’una estratègia seductora, ha aconseguit que els consumidors prefereixin la Coca-Cola avanç que qualsevol altre beguda, perquè l’associació mental del consumidor  l’ha acabat influenciant. Està arraigada al pensament, no fem cas de les critiques que rep el producte, no podem deixar d’elegir-la, ens ha seduït i convençut.

Però com ha aconseguit anar més enllà del que veritablement és o pel que realment es va crear, aquesta frontera la creuat des del començament. Coca-Cola és una mica com els recol·lectors del documental, que d’un objecte ja insignificant aparentment li donaven un valor únic, propi o nou, penso que Coca-Cola d’alguna forma també a aconseguit això, recol·lectar persones, emocions i missatges, ha aconseguit que tots ens puguem arribar a identificar no amb la marca ja sinó amb la seva idea. Arreu del món i qualsevol persona la coneix. Des de els soldats de la Segona Guerra Mundial on Coca-Cola en aquell context, significa molt més que el que representa, un moment d’esperança, d’evasió, de llibertat, deixa de ser un objecte, un producte a ser molt més que això, a tenir un valor incalculable per aquells que la posseïen.

Quan Duchamp va agafar l’urinari, el va firmar amb un pseudònim “R. Mutt” i el va titular “Font” i el va exposar en una galeria, va significar una acció totalment conceptual, un gest absolutament revolucionari en aquell moment. Paradigma de l’art modern, l’urinari de Duchamp, un objecte ja fet, que un dia va elegir l’artista i va ser elevat a la categoria d’obra d’art. Fa d’aquest objecte de disseny, una obra d’art des de el moment en que l’exposa a una galeria. Es transforma d’un objecte utilitari, d’una eina produïda industrialment i en sèrie, d’un objecte amb una forma i una finalitat pràctica a una cosa inútil, és a dir el transforma en un objecte per ser contemplat, protagonista per si sol. Amb això, posava de manifest que l’artista ja no necessita treballar amb les seves mans, una obra d’art ja no ho requereix necessariament. L’objecte per si sol porta una reflexió conceptual, una idea.

Coca-Cola es això es com l’obra de Duchamp, s’ho pot permetre, va mes enllà d’un simple refresc, Coca-Cola esta exposada al MOMA, com a objecte, ja no com a producte. deixa de ser-ho per convertir-se en un objecte físic i en una idea, que la podem tocar, la podem veure, la podem olorar, assaborir i admirar.

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“Esta mañana, como cada mañana de camino al trabajo, estaba ojeando el periódico gratuito que me entregan antes de entrar en la estación de Cercanías cuando uno de sus artículos me llamó la atención. Su título: “Cachivaches asombrosos”.

En él se hablaba de inventos a priori absurdos, tales como paraguas-periódico, timbres para perros y cuadros esquineros, pero por muy estrambóticos que me parecieran (aunque he de reconocer que algunos me han parecido bastante útiles) ninguno me ha parecido tan cómico como los que voy a pasar a detallar a continuación.

Hace un tiempo un compañero de la oficina nos envió un enlace con inventos curiosos. Y ¿por qué me llamaría tanto la atención? Pues además de por la asociación de ideas invento-invención-patente (un claro ejemplo de “deformación profesional”), lo cierto es que algunos me resultaron muy graciosos.

Y por qué no decirlo, me paso todo el día con invenciones “serias”, “muy serias” en las que el alcance de la invención, la terminología son esenciales, no podemos fallar, hay que entregar hoy…sin falta…de prisa de prisa…el cliente está impaciente…rayos la coma está mal puesta. Por tanto, ante tanta seriedad, ver las invenciones desde un plano más divertido es relajante.

Todos los inventos eran japoneses y para mi sorpresa no deben ser los únicos de este calibre, porque los japoneses han creado el “chindōgu” o lo que es lo mismo, el arte de inventar artilugios cotidianos ingeniosos que suponen una solución ideal a un problema particular. Visto así parece algo serio, pero que esta definición no nos lleve a engaño, las imágenes parecían más bien extraídas de una película de ciencia ficción de serie B o de un capítulo del Superagente 86 o del inspector Gadget que de la mente de un inventor real. Y es que en el decálogo de los “chindōgu” uno de los requisitos es que exista pero que sea relativa o totalmente inútil.

Les recomiendo encarecidamente echarle un vistazo a este enlace; http://picdit.wordpress.com/2007/11/11/7-strange-japanese-inventions/

¿Quién no ha matado alguna vez un insecto con las zapatillas de andar por casa? Pero en ocasiones el “bicho” se nos escapa y se posa en el techo o en lo alto de la pared. No pasa nada…, les presentamos las zapatillas con mango extensible. Sí, sí, de la parte del talón de la zapatilla sale un mango, que puede extenderse y nos permite llegar a cualquier rincón de la casa para acabar con la compañía indeseada de mosquitos, cucarachas, arañas, etc. Aunque el uso en sí no es nuevo, hay que reconocer que el diseño sí lo es.

¿Y quién no ha buscado alguna vez la cartera en un bolso o los bolsillos de la chaqueta o del pantalón? ¿Y por qué no guardar más a mano todo lo que nos puede hacer falta en una reunión de trabajo? Para eso han creado la corbata-oficina portátil. Se trata de una corbata que en el reverso tiene espacios para guardar tarjetas de crédito, tarjetas de visita, un pen drive, clips y ¡hasta unas tijeras! Lo cierto es que nunca he sido un gran amigo de las corbatas, pero tampoco de llevar los bolsillos llenos, así que no descarto que en algún momento me viera tentado de probarla…

Ahora algo para los alérgicos al polen. El casco dispensador de papel higiénico o de toallitas de papel portátil. Es muy engorroso buscar un pañuelo para limpiarse la nariz y más aún si hay que hacerlo constantemente. Con este “casco dispensador” se acaba con este problema. En ese sentido es extremadamente práctico, pero dudo de su idoneidad estética. Pese a haber visto recientemente algunos modelitos “poco ponibles” que han llegado a desfilar en la Madrid Fashion Week, no creo que un rollo de papel higiénico encima de la cabeza a modo de tocado llegue nunca a ser tendencia aunque con Galiano, David Delfín o Lady Ga Ga todo es posible.

Y por último, algo para los aficionados a la jardinería. La herramienta de jardinería 10 en 1. Se acabó buscar el rastrillo, la pala o la azada. En esta especie de navaja suiza de tamaño gigante tienen cabida todos los utensilios necesarios para realizar cualquier trabajo en el jardín, aunque imagino que habrá que tener bastante fuerza para poder trabajar con ella. O si no, seguro que existe algún otro “chindōgu” para levantar cosas pesadas…”

Por Michael S. Ahrens

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