todo menos el objeto 2010

 

La arquitectura y el arte decorativo desarrollado en el área de Los Ángeles en California durante las décadas 10 al 30 del siglo XX, cuando la zona vivió un gran desarrollo económico debido a la agricultura y el éxito de la industria cinematográfica de Hollywood, creó una generación de gente emigrada de Europa recién adinerada que intentaron recrear el estilo de los nobles europeos. Esto dio pie a la creación de mansiones en las que se mezclaban caóticamente estilos como el barroco, florentino, gótico y el rústico usado en las misiones de la misma California. Este estilo fue llamado Californiano; en la decoración se crearon piezas estrambóticas, como chimeneas de más de tres metros de altura, falsos escudos nobiliarios, tapetes de oso, espejos gigantescos con marcos de falsa madera tallada estofada realizados en plástico o cuadros idílicos de falsos antepasados que decoraban sus paredes. Se llegó al exceso de comprar antiguos castillos europeos que eran trasladados piedra por piedra a los Estados Unidos o bien comprar títulos nobiliarios en subasta.

Sin embargo, otra corriente coincide en definir lo kitsch precisamente por el “deseo de aparentar ser” (como la definición de clase propuesta por Marx). En este sentido, todas las imitaciones y copias serían consideradas como kitsch, así como el uso de materiales que pretenden ser otra cosa (plástico que imite oro, cristal o madera, por ejemplo), siempre y cuando esté pensada para que su poseedor aparente ser de una clase social, económica o cultural “superior” a la suya.

Así mismo, muchas piezas religiosas utilizadas en altares domésticos responden al uso de materiales baratos que pretenden ser otros más caros, aunque sin ostentarse como símbolos de status social, sino, más bien, con el deseo de agradar a la deidad en cuestión, como es el caso de los coloridos altares de la religión hindú. Para muchos, estas expresiones se acercan más al canon estético naif.

 

La acumulación de objetos ha alcanzado un punto en que no se sabe demasiado bien que valor queremos otorgar a las piezas que nos rodean, podríamos diferenciar a distintos grupos sociales basados en los objetos que coleccionan.

La generación IKEA, los prestigiosos de Vinçon, los fanáticos de habitat o MUJI, imagenes de un mundo similar al de un catalogo. Estilos se relacionan con formas en su conjunto, ya no perdemos el tiempo en crearnos el nuestro, mejor que venga hecho.

Es cierto que en muchas ocasiones el estilo viene determinado por la calidad de vida de las personas, pero en estos casos no se sabe muy bien en que cajón entrarían estas piezas.

A menudo llenamos estantes y escritorios con las cosas más freak que nos han o nos hemos regalado, de manera que tenemos un grupo de objetos que en su aspecto formal no significan demasiado, pero trae tras de sí el significado de la persona que lo posee, es decir, el objeto explica algo acerca de su dueño, por lo que incita a hacernos una idea de su personalidad y con ejemplos como maneki-neko o los cuadros de la virgen luminoso o cualquier otra forma de aberración estética, uno se da cuenta de que es la persona quien debería otorgar el significado a las cosas no las cosas a la persona.

Hemos llegado a una época donde se nos determinará un status dependiendo de la cantidad y calidad de los objetos que hemos recopilado, construimos los objetos a nuestra imagen y semejanza esperando a que hablen ellos por nosotros, ya que nosotros desconocemos los adjetivos que merecemos.

Así la mayoría de artículos extraños y de aires Kitsch que podamos tener hablarán de nuestra faceta que afirma no creer en las premisas de que mis objetos me definen a mí.

De nuevo la contradicción humana, nos servimos del poco carácter de un objeto para denunciar la filosofía del objeto, pero usamos un objeto de todas formas.

Kilia Melia 2009 camp, cutre, doctrinas, estetica, evangelio, feo, kitsch

 

El Zhaocai Mao (en China) o Maneki-neko (招き猫?) (en Japón), también conocido como “gato de la suerte” o “gato de la fortuna”, es una popular escultura japonesa, la que se dice que trae buena suerte a su dueño. La escultura representa a un gato saludando con una pata alzada.

Puede ser vista frecuentemente en tiendas, restaurantes y otros negocios. Suele ser una gato que levanta su pata izquierda invitando a la gente a entrar en los negocios y en la pata derecha una moneda antigua japonesa llamada Koban (（小判）); tiene por lo general un collar con una cascabel que se cree ahuyenta los malos espíritus, elaborada a menudo en porcelana o cerámica, y también actualmente en plástico. En las versiones originales de porcelana, la pata solía estar siempre levantada, aunque en las nuevas versiones de plástico la pata suele moverse de arriba a abajo. También la altura a la que la pata es alzada puede variar de una escultura a otra. Se dice que cuanto más alta sea esta, la llamada del gato atraerá a los clientes desde mayor distancia.

Maneki (招き) procede del verbo maneku (招く) que en japonés significa “invitar a pasar” o “saludar”. Neko (猫) significa “gato”. Juntos literalmente denotan “gato que invita a entrar”. Según la tradición japonesa el mensaje que transmite el gato con el movimiento de su pata es el siguiente: “Entra, por favor. Eres bienvenido”.

Hoy en día, existen miles de versiones del Maneki-Neko, desde gatos altos, gorditos, de diversos colores, hasta alcancías o figurines de Hello Kitty.

 

Leyendas sobre el Maneki Neko

Hay diversas versiones de la leyenda de este simbolismo. A continuación se muestran 3 de las más conocidas entre ellas:

1)

Durante el siglo XVII, en la era Edo, en la época de los señores feudales, existía en Tokio un templo que había conocido días mejores y que tenía serios problemas económicos y estaba semi-destruido. El sacerdote del templo era muy pobre, pero aún así, compartía la escasa comida que tenía con su gato, Tama.

Un día, un señor feudal, un hombre de gran fortuna e importancia llamado Naotaka II (（井伊直孝）) fue sorprendido por una tormenta mientras cazaba y se refugió bajo un gran árbol que se encontraba cerca del templo. Mientras esperaba a que amainara la tormenta, el hombre vio que un gato de color blanco, negro y marrón, le hacía señas para que se acercara a la puerta del templo. Tal fue su asombro que dejó el refugio que le ofrecía el árbol y se acercó para ver de cerca a tan singular gato. En ese momento, un rayo cayó sobre el árbol que le había dado cobijo.

A consecuencia de ello, el hombre rico se hizo amigo del pobre sacerdote, financió las reparaciones del templo y éste prosperó, con lo que el sacerdote y su gato nunca volvieron a pasar hambre.

Tras su muerte, Tama recibió un solemne y cariñoso entierro en el cementerio para gatos del Templo Goutokuji, y se creó el Maneki Neko en su honor. Se dice que un Maneki Neko en el lugar de trabajo, el hogar o incluso una página web atrae la buena suerte y los visitantes.

2)

Una cortesana llamada Usugumo, que vivía en Yoshiwara (al este de Tokio) tenía un gato al cual amaba y criaba con mucho cariño. Una noche, el gato empezó a jugar con su kimono y se lo fue llevando a rastras. Daba igual lo que ella dijera, el gato seguía con su juego.

El propietario del burdel, al ver aparecer al gato con el kimono, y pensando que el animal estaba embrujado, le cortó la cabeza. Ésta salió volando hasta el techo, donde sin querer mató una serpiente, al parecer preparada para atacar en cualquier momento.

Usugumo quedó sumida en el dolor por la muerte de su mascota. Para hacerla feliz, uno de sus clientes le hizo un retrato en madera de su gato, y se lo dio como regalo. Ésta imagen del gato pasó a ser conocida como Maneki Neko.

3)

Una señora mayor que vivía en Imado (este de Tokio) se vio forzada a vender su gato debido a la extrema pobreza en la que vivía. Poco tiempo después, el gato se le apareció en un sueño, y le dijo que hiciera su imagen en arcilla.

La anciana se encargó de crear la estatua tal y como le dijo el gato, y no tardó en venderla. Se dedicó a hacer más estatuas, viendo que gustaban a la gente y las compraban encantados. Muy populares se volvieron anciana y gato, y pronto la mujer se hizo próspera y rica.

 

Colores y significado

Dependiendo la pata que el Maneki-neko levante tiene distintos significados:

Si saluda con la pata derecha:se dice que trae prosperidad y dinero.

Si saluda con la pata izquierda, atrae visitas, también se cree que mientras más alto levante la pata, los atrae desde mayores distancias.

Si saluda con ambas patas, protege al hogar o establecimiento.

 

Dependiendo de su color también tiene distintos significados

Tricolor (blanco, negro y naranja). Tradicionalmente es el gato que más suerte da, y se dice que trae fortuna a los viajeros. Como curiosidad, ese tipo de tricolor se llama Calico.

Verde: Atrae la salud y seguridad en el hogar y los buenos resultados en los estudios.

Blanco: Pureza, cosas buenas por venir.

Plata o dorado: Suerte en los negocios.

Azul: Cumplir los sueños.

Rojo: Éxito en el amor y/o ahuyenta lo malo.

Amarillo : Economía.

Negro (color): Evitar la mala suerte y aumentar la felicidad.

Rosa: Elegir a la persona con quien contraer matrimonio.

Violeta: Sirve para los estudiantes y recién graduados.

Kilia Melia 2009 camp, cultura basura, kitsch, trash

 

Como en el caso de la Fender, Los fanáticos de las estrellas de rock hacen cualquier cosa por tener algún tipo de relación con sus ídolos. Quedarse con alguna prenda o instrumento que haya sido de su propiedad los acerca a su objetivo. Para esto pueden llegar a desembolsar grandes sumas de dinero, por lo que Rolling Stone pudo listar algunos de los objetos más caros de la historia del rock.

En  contra posición, también podemos comprarlos con los objetos de casas museo. La casa donde vivió el escritor, los muebles que utilizó; los pequeños objetos personales que le acompañaron: las gafas, el sombrero, el bastón, la máquina de escribir…; los recuerdos acumulados: premios, fotografías, regalos, pequeños objetos; el resultado de sus aficiones o habilidades (dibujos, colecciones …); los jardines y patios secretos donde se refugiaba …

Algunos como la subasta de la chaqueta de cuero de Michael Jackson que vestía en la portada del sucesor de Thriller, Bad, y que lo acompañó en el tour presentación de ese disco. ¿Valor sugerido? 85 mil.

También existen objetos que han sido creados especialmente para la ocasión de su venta y estos han obtenido precios desorbitados como el Bombo de Sgt. Peppers Lonely Hearts Club Band – The Beatles, diseñado por Peter Blake, este bombo es uno de los íconos más fuertes de la carrera de los de Liverpool y el precio al que fue subastado en el mes de julio no hace más que confirmarlo: 945 mil dólares.

A pesar que se pueden poner algunos otros ejemplos, fuera del rock, como la Barbie que se fabricó para conmemorar su 40 aniversario. Cuesta 85.000 dólares.

Un iPod recargado y lujoso que fue subastado en una cena en Londres con fines Benéficos. Llamado iDiamond Apple ha fabricado y diseñado, con la ayuda del joyero noruego Thomas Heyerdahl, el reproductor mp3 con un peso de 60 gramos aproximadamente y el coste de producción de unos 26.000 euros.

 

El Cuaderno personal , Jim Morrison. Poemas, letras sin terminar y anotaciones personales hechas por el líder de The Doors en su último mes de vida. Por 91 mil dólares quedaron en poder de un fanático del cuarteto comandado por el Rey Lagarto.

 

Entre estos podemos encontrar los más caros de la historia que se han podido vender como son Colección de joyas: El 3 de abril de 1987 se subasto en Sotheby´s de Ginebra (Suiza) una colección de joyas propiedad de la duquesa de Windsor a un total de 50.427.977 dólares.

 

 O el Manuscrito Ilustrado: El 11 de noviembre de 1944 en Christies´s de Nueva York (EE.UU) se vendió por 30.802.000 dólares un códice Hammer de Leonardo da Vinci, tras la venta recuperó su nombre orignal, Códice Leicester.

 

Fuente

tx3ma 2009, General

Que el motivo de la celebración sea el solsticio de verano no es algo nuevo, y de hecho es una acto que aunque parezca mentira, la gente lo tiene presente. Pero, y los rituales? Que los hombres salten las hogueras ara demostrar su valentía y a la vez espantar a los males, enfermedades… ¿Dónde está este sentimiento? Ahora sólo se hacen por hacer, por quemar algo, o simplemente por tradición, pero nunca por el motivo inicial.

Los petardos, un elemento característico de Catalunya y de otras comunidades, inicialmente  se tiraban porque la celebración duraba toda la noche y no se dejaba de cantar y bailar y hacer mucho ruido, para alejar así a los malos espíritus, adoptando posteriormente —con la llegada a Europa de la pólvora desde Oriente— el uso de cohetes y petardos que, indudablemente, producían mucho más ruido. Pero ahora, llega la verbena y la gente va en masa a comprar los petardos, y no comprar el pequeño petardo para hacer una pequeña gracia, sino van a comprar el que más ruido hace. Con la diferencia que su motivo no es espantar enfermedades o males que padecen, sino simplemente tirar un petardo y hacer ruido, sin ningún motivo más.

Y es que cuando llega la verbena todos estamos dispuestos a celebrarla, y darle la bienvenida al verano, pero pocos son los que se plantean por qué lo hacen y qué es lo que hacen durante esta noche. La mayoría simplemente hacemos lo que hemos visto hacer durante años, y que se ha convertido en una tradición, compartiendo o no los orígenes de sus actos.

Artículo:

El 24 de junio es la festividad de San Juan y en la víspera se celebra hasta altas horas de la madrugada la denominada verbena de San Juan. Se come coca, se baila, se tiran petardos y cohetes y se encienden hogueras en la noche más corta del año. De hecho acabamos de celebrarla, pero… ¿sabemos qué estamos celebrando realmente?

Pues estamos celebrando el solsticio de verano.

El solsticio es la época del año en la que el Sol —astronómicamente hablando— se halla en uno de los dos trópicos, lo que sucede del 21 al 22 de Junio para el de Cáncer y del 21 al 22 de Diciembre para el de Capricornio. En el hemisferio septentrional el día que corresponde al solsticio de verano es el más largo del año o, con más propiedad, aquél en que el Sol permanece más tiempo sobre el horizonte y, de la misma manera, el día correspondiente al solsticio de invierno es el más corto. Ocurriendo a la inversa en el hemisferio austral.

En los solsticios, el Sol culmina cada día a menor altura sobre el horizonte acercándose al ecuador celeste, siendo precisamente ése el sentido de la palabra latina solstitium, de sol y stare, ‘estar quieto’.

En la Antigüedad, el cielo —considerado morada de los dioses— tenía un papel fundamental en la vida de aquellas gentes, y todo lo que en él ocurría era interpretado como signos divinos. Y de la misma manera que la llegada de la primavera era una señal de renovación y de inicio —incluso el primitivo calendario romano comenzaba en el mes de martius, ‘marzo’— la llegada del solsticio de verano era una señal negativa. El hecho de que a partir de aquél momento los días fuesen cada vez más cortos y que la oscuridad le ganase terreno a la luz, no tenía buena interpretación. Por ello realizaban una serie de ritos con la finalidad de contrarrestar ese efecto negativo. Uno de estos antiguos ritos solares paganos consistía en la confección de unas cocas de forma redondeada con un agujero en el centro (como el actual roscón) simbolizando el disco solar, que comían al raso remojada en vino dulce.

También realizaban hogueras con la pretensión de aumentar el ardor del Sol y alejar las tinieblas, protegiendo así sus casas de la entrada de seres malignos y de enfermedades, invocando con su luz y calor aquellos aspectos positivos como el amor y la fertilidad de mujeres y tierras. Fuego purificador sobre el que se saltaba para atraer la buena fortuna y en el que se quemaban objetos de mal recuerdo para eliminar su efecto negativo y poder renacer libres de ellos..

El proceso de cristianización asimiló la fiesta pagana a la festividad de San Juan Bautista y así hasta nuestros días.

Nota sabionda: Los romanos salían esa noche a recoger verbena —planta arbustiva de la misma familia que la hierba luisa— con la que adornaban sus casas y jardines al considerarla la hierba de la fortuna. Estando aquí el origen del nombre de la celebración y, quizás, el origen de las ristras de papelillos y farolillos de colores con el que adornamos el lugar de la fiesta.

Fuente: http://www.sabercurioso.com/2008/06/26/la-verbena-de-san-juan/

raquel bastardi 2009, General

link a alguns capítols comentats a dezeen

mireia 2009, General

No és senzill resumir l’estat actual del disseny, i , en tot cas no se’n sabrà la rellevància fins d’aquí a uns anys. De totes maneres, sí que es pot concloure que respecte a la dicotomia art-disseny, no hi ha actualment un moviment englobador com els que he comentat anteriorment, si més no amb un programa definit i clar. Sí que hi ha però , una mútua atracció entre les dues disciplines (o nomenclatures, o circuits…) que demostren un cop més que la línia que els separa és molt fina. Artistes que semblen dissenyadors, dissenyadors que semblen artistes. En tot cas les peces de disseny fa temps que han entrat al museu no només amb els esforços dels artistes pop sinó creant tota una catergoria, com és el cas de la selecció del moma de disseny industrial (i ho fa al costat de l’arquitectura, disciplina que també està en discussió i que els anteriors casos d’estudi sovint esmenten):

http://www.moma.org/explore/collection/architecture_design

http://www.moma.org/interactives/exhibitions/2008/elasticmind/

Resumint (molt) podem trobar diferents posicionaments respecte a la professió:

per una banda els formalistes, que, hereus del moviment modern i del funcionalisme del ‘less is more’, generen objectes de línies ‘pures’, geometritzants i al servei de la indústria (generalment del moble i complement). Són els grans noms del disseny dels últims anys, els germans Bouroullec (link), Konstantin Grcic (link) o Jasper Morrison (link) entre molts d’altres.

K.Grcic Myto CHair

Bouroullec Steelwood Chair

Són objectes ben dissenyats, estètics i funcionals però amb escàs esperit crític i clarament establerts en el circuit comertcial.

Per altra banda, en el primer post parlava de l’escola d’Eindhoven i tot el boom del disseny holandès que s’ha caracteritzat per l’experimentació i per un cert retorn a les tècniques artesanals. Aquest tipus de disseny utilitza estratègies artístiques i s’incorpora a la galeria (o ’showroom’) sense masses problemes. És el cas de studio Job, que pràcticament no té projectes comercials (link), o Hella Jongerius que ha sabut combinar treballs més experimentals amb projectes comercials 8un cop més, mobiliari) (link)

objectes d’objectes, Chest of drawers de droog

Jongeriuslab

frank willems (Eindhoven DA)

studio job

studio glithero

Maarten Baas

L’objectiu d’aquests projectes però, queda una mica dissolt en la seva espectacularitat formal. Sense menystenir-ne la importància, al final la seva incidència real fora dels seus circuits és poc coneguda.

Alguns sectors dels professionals de disseny han detectat també aquesta manca de cohesió en els discursos i han intentat revelar-se contra la idea imposada que el disseny és només una peça al servei del capital i del consum. Les preocupacions socials i el treball per les non-profit o col·lectius minoritaris recuperen en certa manera idees esmentades amb els moviments russos o la bauhaus, en el seu vessant més social.

El First things First Manifesto és un dels primers en posar-ho per escrit (1r el 1964 i posteriorment el 2000):

We, the undersigned, are graphic designers, art directors and visual communicators who have been raised in a world in which the techniques and apparatus of advertising have persistently been presented to us as the most lucrative, effective and desirable use of our talents. Many design teachers and mentors promote this belief; the market rewards it; a tide of books and publications reinforces it.

Encouraged in this direction, designers then apply their skill and imagination to sell dog biscuits, designer coffee, diamonds, detergents, hair gel, cigarettes, credit cards, sneakers, butt toners, light beer and heavy-duty recreational vehicles. Commercial work has always paid the bills, but many graphic designers have now let it become, in large measure, what graphic designers do. This, in turn, is how the world perceives design. The profession’s time and energy is used up manufacturing demand for things that are inessential at best.

Many of us have grown increasingly uncomfortable with this view of design. Designers who devote their efforts primarily to advertising, marketing and brand development are supporting, and implicitly endorsing, a mental environment so saturated with commercial messages that it is changing the very way citizen-consumers speak, think, feel, respond and interact. To some extent we are all helping draft a reductive and immeasurably harmful code of public discourse.

There are pursuits more worthy of our problem-solving skills. Unprecedented environmental, social and cultural crises demand our attention. Many cultural interventions, social marketing campaigns, books, magazines, exhibitions, educational tools, television programs, films, charitable causes and other information design projects urgently require our expertise and help.

We propose a reversal of priorities in favor of more useful, lasting and democratic forms of communication - a mindshift away from product marketing and toward the exploration and production of a new kind of meaning. The scope of debate is shrinking; it must expand. Consumerism is running uncontested; it must be challenged by other perspectives expressed, in part, through the visual languages and resources of design.

In 1964, 22 visual communicators signed the original call for our skills to be put to worthwhile use. With the explosive growth of global commercial culture, their message has only grown more urgent. Today, we renew their manifesto in expectation that no more decades will pass before it is taken to heart.

http://www.xs4all.nl/~maxb/ftf2000.htm

També sorgeixen premis com els INDEX AWARD  www.indexaward.dk/default.asp

projectes com true majority (S.Sagmeister)

o productes com l’hippo-roller, www.hipporoller.org/

i alguna iniciativa englobadora com Adbusters (www.adbusters.org)

mireia 2009, General

Para Antonio, aunque en parte la Navidad se haya paganizado en el fondo queda el sentimiento religioso que se refleja en el compartir y en la solidaridad de estas fechas

 

Que durante la Navidad celebramos algo, parece claro. Los encuentros con la familia, con los amigos e incluso con los desconocidos, se multiplican, las calles se acicalan, se canta, se baila y se dispara un afán dadivoso,necesario en la solidaridad pero, a menudo, incontrolado en las tiendas. Lo que no parece tan claro es qué celebramos y aunque el hedonismo de la condición humana haya convertido en insignificante el motivo, Antonio Perera, párroco de la Iglesia de San Ginés, confiesa sentir pena al ver que el origen de la Navidad “no se tiene en cuenta”. Pronunciamos “Navidad” como si fuera un término surgido de la nada. Sin embargo, tiene su etimología y por lo tanto un significado. Navidad proviene del latín “natividad”, de nacimiento. Y es que alguien nació hace más de 2000 años. Antonio Perera reflexiona sobre el cambio en la celebración de estas fechas, en lo que es también una reflexión de la sociedad.

 

¿Se está paganizando La Navidad?

En parte sí, porque el objeto de las fiestas ya no es Jesús sino el consumismo exuberante o estos dioses que también tenemos delante como el bienestar o la comodidad. La Navidad tiene un origen religioso, pero no se está perdiendo el sentido, sino que hay otras prioridades en las que las personas lo van centrando. En la sociedad hay unas personas que seguimos creyendo en Jesucristo y por lo tanto celebramos ese acontecimiento desde ahí.

Desde la conmemoración del nacimiento de Jesús, como salvador, como redentor del mundo. Otras personas, en cambio, lo celebran igual haciendo referencia en otros aspectos ya sea como fiesta social, familiar o ambiental. Pero no es negativo, sólo distinto, aunque da pena que el motivo de la navidad no se tenga en cuenta. Es normal que pueda ocurrir, porque en una sociedad tan revuelta la cuestión de la fe no está tan clara. No porque la gente sea mala sino simplemente porque no la ven o porque no han tenido medios para acceder a esa fe con claridad o porque les supone un esfuerzo. Yo creo que lo que hay que tener en cuenta es que ha habido un cambio socio político muy fuerte y eso influye en la parte religiosa.

 

Parece que al final siempre impera la parte más lúdica en los actos de origen religioso, como también ocurre con la tradicional Romería de los Dolores. ¿Por qué cree que ocurre esto?

La romería tiene más un sentido social, de divertimento, que está muy bien. Aunque el motivo es la festividad de la Virgen, para la gente lo importante es vivir el otro aspecto: la caminata, el compartir con los amigos, la verbena.

Mucha gente se acerca al santuario, que siempre tiene su espacio. Pero lo más atrayente no está en la imagen de la Virgen sino en una fiesta lúdica. Aunque se pierda la dimensión de la fe, no se pierde la dimensión de la celebración. A lo mejor no celebras el domingo como día del señor pero sí que lo celebras por otro motivo, por descanso simplemente, o por día de campo o playa, y hay otros cristianos, que lo que le lleva fuertemente a esa celebración es la parte cristiana y pasan de los otros aspectos.

 

 

Fuente: http://www.lavozdelanzarote.com/IMG/article_PDF/article_10117.pdf

raquel bastardi 2009, General

Las recetas podrían considerarse un ejemplo de objeto de código abierto. Un objeto que se transmite libremente entre las personas, que adquieren libremente, prueban, mejoran y transfieren de nuevo. Es un acto que se ha transmitido de generación en generación, una práctica propiA de comunidades sobretodo compuestas por mujeres. ¿Qué pasaría si alguien decide proteger la autoría de las recetas de cocina? Podrían generarse situaciones como esta:

sala: Marchando una lasagna

cocina: No tenemos licencia para la bechamel

jefe cocina: pues con puré de patata que es Creative commons

fuente: http://www.filmica.com/david_bravo/archivos/003045.html

 

Más allá del humor, la noticia es real: “El cocinero germano Heinz Beck, del restaurant “La Pérgola” de Roma, propone proteger las recetas de cocina con copyright.

Beck argumenta que cocinar es una forma de arte creativo y como tal debería estar protegido por las leyes del copyright. Una idea que aunque en principio pudiera parecer descabellad ha captado la atención del SIAE, la gestora de derechos de autor italiana que está considerando seriamente el tema. Tanto es así que la SIAE ha solicitado a la Unión Europea una directiva que introduzca cierto tipo de copyright sobre las recetas culinarias”.

Fuente: http://hispamp3.yes.fm/2006/02/14/copyright-sobre-las-recetas-de-cocina

 

El siguiente artículo se hace eco de esta noticia y plantea una situación burocrática en la que nos podríamos encontrar si infringiésemos la “cookyright”. Imagine yourself in the year 2025, you open your virtual mail box and the certified document printer spews out the following: 

 

Dear consumer, it has been brought to the attention of the Guild of Guide Michelinapproved restaurants (GOGMA) that you have violated the cookyright ofits star chefs, as defined under directive 2008/29/EC.

Law-abiding visitors of your appartement informed us that you violatedin particular the recipes “zucchini flower I+II” of chef Heinz Beck,whose family is thus deprived their sustenance by your piracy. Youfurthermore violated the moral rights of chef Heinz Beck by not usingany cardamom, which is a small but important trace substance in thesedishes. 

As you know from the legal information provided to you when dining atour restaurants, which you signed together with your pre-dining bill,you are in particular NOT AUTHORISED to ANALYSE, IMITATE, COOK FORYOURSELF AND OTHERS, LEARN FROM or be INSPIRED BY recipes provided toyou by THE RESTAURANT.

This act constitutes copyright infringement of the most serious kind.

According to Directive 2001/29/EC of the European Parliament, GOGMAorders you to destroy your circumvention device, colloquially known askitchen, and will further take legal action against those who suppliedyou with said circumvention device.

Violation of cookyright deprives thousands of restaurant owners oftheir living, and harms the food industry, one of the largestemployers worldwide.

GOGMA therefore finds itself forced to set you a one week deadline tocomply with this order, effective immediately.

 S. HarkGAGOGMA (General Attorney of Guild of Guide Michelin approved restaurants)

 

Para consultar el resto de la noticia visitar el blog de Georg Greve.

Fuente: http://blogs.fsfe.org/greve/?p=66&cpage=1#comment-186

 

Como se cita en el siguiente texto, la idea a patentar puede referirse a diversos ámbitos, pero ¿tiene sentido en el caso de las recetas? (entendiendo estas como un acto de sabiduría acumulativo cuya autoría puede ser confusa).

 “La posesión de las ideas no puede conformarse con el orgullo de su alumbramiento, sino que necesita del reconocimiento y la inscripción, es decir, requiere de un acta de propiedad. El miedo a que una idea recién concebida pueda ser robada está implícito en la autopercepción del autor y parte de una presunción de originalidad que es un sentimiento subjetivo derivado del acto indeterminado y ambiguo de crear. El autor se constituye como sujeto frente a otros en tanto que alumbrador exclusivo de un contenido mental que llamamos idea. La idea puede referirse a diversos ámbitos, pero mantiene un idéntico reclamo de protección y sanción sea ésta artística, literaria, científica o técnica.”

 

[...] “En realidad, aun cuando merecía la pena entender el hecho de la “creación” como un fenómeno de producción colaborariva que debe sus avances a ideas previas en la mayor parte de los casos, lo cierto es que las ideas siempre están en busca de autor. Incluso cuando se presentan intencionadamente anónimas o colectivas. Además, ninguna idea es simple o monolítica, su catalogación debe desglosar sus componentes, forman parte de una cadena compleja de pensamiento que tiende a objetivizarse y a diversificar sus fuentes originarias.

 

Si esto es cierto, ¿no habría una contradicción sutil en la génesis de los informes sobre el estado de la técnica y el concepto de originalidad que persigue? Es decir, ¿no son los propios dispositivos de contraste y evaluación de la actualidad pruebas de la gran cantidad de substratos previos sobre los que se asienta una investigación y de las dificultades consecuentes para determinar la originalidad? Y más aún, dada la apremiante obsolescencia de los hallazgos toda vez que son retomados para seguir elaborando nuevos avances tecnológicos, ¿qué garantía ofrece en la actualidad una patente con una vida de veinte años sino la de multiplicar las nuevas patentes asentadas en su propia aportación?”

 Fuente: “El archivo de las ideas”. Víctor del Río. Culturas de archivo, vol.2. Pag 87-99

 

Desde el punto de vista de la cocina, Ferran Adrià narra: 

“El cocinero (o el pintor, el músico, el escritor) que se propone innovar debe partir de la premisa que lo nuevo es lo que no se ha hecho jamás y en ningún caso, lo que él desconoce. Ignorar en qué direcciones se mue­ven los creadores contemporáneos puede llevar a «copiar» recetas que ya existen. Desde un punto de vista ético no se puede censurar al cocinero que así actué, pero su esfuerzo será estéril. Por este motivo, la inquietud por descubrir lo que se ha hecho o se está haciendo para actualizarse y conocer las últimas tendencias interesantes, es un factor de primerísima importancia. En este sentido, el cocinero debe saber asimilar lo que ha conocido sin dejarse influir en lo más mínimo, para lo que precisa un gran equilibrio, facultad de difícil ejercicio que sólo se adquiere con la experiencia.”

[…]”…uno puede inclinarse por «recrear», es decir, por perfeccionar y matizar concep­tos ya existentes otorgándoles un estilo personal, o bien por innovar, por crear algo realmente nuevo. Cada crea­dor opta, naturalmente, por lo que más se adecue a sus objetivos y a sus posibilidades”.

Fuente: capítulo ¿Qué es crear? ¿Qué hace falta para crear?

Libro “Los secretos de El Bulli. Recetas, técnicas y reflexiones” Ferran Adrià.

 

Anexo noticia relacionada: McDonald`s quiere pantentar cómo hacer sándwiches.

Fuente: http://curiosidadesgastronomicas.com/?p=1442

http://news.cnet.com/8301-13505_3-10106213-16.html

elisa_padron 2009, General

La ‘Staatliches Bauhaus‘ fundada el 1919 per Walter Gropius es considerada històricament com la primera escola de disseny. Efectivament estableix el paradigma en molts aspectes i ha tingut una influència molt important en la percepció que la societat té del disseny i en aspectes formals. Però més enllà d’etiquetar-la dins del racionalisme o el funcionalisme (categories a les quals es pot adscriure però que la defineixen només parcialment) la Bauhaus era sobretot un projecte pedagògic i polític. Gropius va crear un abans i un després perquè va saber entendre que calien noves institucions per a generar professionals capaços de donar respostes a la situació de producció que havua generat la revolució industrial. Igual que Morris, de Stijl i els russos, però começant des de la base: formant un nou perfil de ‘generador d’objectes’.

Manifesto
The ultimate aim of all creative activity is a building! The decoration of buildings was once the noblest function of fine arts, and fine arts were indispensable to great architecture. Today they exist in complacent isolation, and can only be rescued by the conscious co-operation and collaboration of all craftsmen. Architects, painters, and sculptors must once again come to know and comprehend the composite character of a building, both as an entity and in terms of its various parts. Then their work will be filled with that true architectonic spirit which, as “salon art”, it has lost.

The old art schools were unable to produce this unity; and how, indeed, should they have done so, since art cannot be taught? Schools must return to the workshop. The world of the pattern-designer and applied artist, consisting only of drawing and painting must become once again a world in which things are built. If the young person who rejoices in creative activity now begins his career as in the older days by learning a craft, then the unproductive “artist” will no longer be condemned to inadequate artistry, for his skills will be preserved for the crafts in which he can achieve great things.

Architects, painters, sculptors, we must all return to crafts! For there is no such thing as “professional art”. There is no essential difference between the artist and the craftsman. The artist is an exalted craftsman. By the grace of Heaven and in rare moments of inspiration which transcend the will, art may unconsciously blossom from the labour of his hand, but a base in handicrafts is essential to every artist. It is there that the original source of creativity lies.

Let us therefore create a new guild of craftsmen without the class-distinctions that raise an arrogant barrier between craftsmen and artists! Let us desire, conceive, and create the new building of the future together. It will combine architecture, sculpture, and painting in a single form, and will one day rise towards the heavens from the hands of a million workers as the crystalline symbol of a new and coming faith.

WALTER GROPIUS

http://www.bauhaus.de/english/bauhaus1919/manifest1919.htm

El manifest ho diu molt clarament, cal un nou enteniment, una nova percepció de les arts com un ‘tot’. La separació i classificació de les pràctiques creatives juga en contra de la pròpia producció. Les idees socialistes també influexien en el projecte que vol trencar també amb els estaments, les ‘classes’ entre artesans i artistes.No hi ha, doncs, diefrència entre artesà i artista? Per a Gropius l’un és el camí cap a l’altre. Entenent que cal conèixer la matèria i els processos abans de poder qüestionar-se la tipologia formal. De la mateixa manera l’arquitecte ha de començar també pel taller, passar per la producció d’objectes i finalment enfrontar-se al disseny de l’edifici sencer (un cop més una ‘màquina de viure’).

La iniciativa de la Bauhaus sorgeix, de fet, en un moment polític força delicat de la història d’alemanya. Originàriament amb seu a Weimar, la Bauhaus pertany a la República de Weimar durant el període d’entre guerres. És una època de forts corrents marxistes i socialistes a alemanya i d’una generació de joves que busquen sortir de les misèries de la guerra (la primera) mundial. També és una qüestió estratègica de la important indústria alemanya que busca trobar un ‘estil alemany’ per tal de fer competència al principal productor mundial del moment, anglaterra. Un cas paradigmàtic és l’AEG on Peter Behrens començarà a simplificar-ne tots els productes i a fer-los modulars.

En el pla d’estudis podem veure que es manté la coherència amb el manifest i com el programa es va aproximant a ‘la creació total’ (arquitectura) passant pels tallers.

Un altre element definitori del projecte són els seus professors. Qui millor per ensenyar composició que un artista de renom? O teoria del color? L’escola compta des dels seus inicis de personalitats del món de l’art de la talla de Itten (a càrrec del curs preliminar), Paul Klee, Kandinsky (que fugia de la rússia estalinista), Feininger,Lászlo Moholy-Nagy i molts altres que s’anirien incorporant més endavant. ‘By the following year their ranks had grown to include German painter, sculptor and designer Oskar Schlemmer and Swiss painter Paul Klee, joined in 1922 by Russian painter Wassily Kandinsky. A tumultuous year at the Bauhaus, 1922 also saw the move of Dutch painter Theo van Doesburg to Weimar to promote De Stijl (”The Style”), and a visit to the Bauhaus by Russian Constructivist artist and architect El Lissitzky^{‘ (wikipèdia)}

Artistes de diferents disciplines, associats a diferents moviments i provinència: aquesta diversitat dins d’un mateix projecte és el mèrit principal de l’escola.

Thanks to the anti-academic character of the Bauhaus, students from extremely diverse standards of prior education were enrolled: A pupil from elementary school could work next to an academician. In order to provide a common working base, including an introduction to the school’s very own principles as to the creation of objects, the Bauhaus developed a specific preliminary course. This enabled the pupils to be trained in how to work with materials, and to get acquainted with the characteristics of colors and forms.

The basic idea of the Bauhaus teaching concept was the unity of artistic and practical tuition. Every student had to complete a compulsory preliminary course, after which he or she had to enter a workshop of his or her choice. This was headed both by an artist and a master craftsman. Here, the mediation of the basics of the craft, together with design parameters, were directly combined with practical experience. This could involve the development of prototypes, then to be serialised, either directly in the Bauhaus workshops, or else - most particularly during the Dessau period - for industrial production under licence.

http://www.bauhaus.de/english/bauhaus1919/werkstaetten/index.htm

Ràpidament, el nou govern conservador de la República de Weimar (que desbancava l’anic social-demòcrata) va veure amb mals ulls aquella colònia de joves lliberals i les ‘poc convencionals’(per al seu moment) festes de la Bauhaus. L’escola tenia també problemes econòmics i les autoritats polítiques cada vegada limitaven més el pressupost per tal de fer-la desaparèixer. La situació es feu insostenible el 1925 i la Bauhaus es traslladarà a Dessau. A Dessau Gropius té l’oportuinitat de construir la pròpia seu i es converteix en un edifici emblema, materialitzant les idees de la bauhaus. El nou edifici inclou  una residència per als estudiants, aules, tallers, auditori i cases per als mestres en casetes adosades a part.

També durant aquest període la Bauhaus es converteix en una editora de molts dels millors projectes dels seus estudiants, principalment per qüestions econòmiques però també per demostrar la viavilitat del projecte en ‘el món real’ (el seu millor èxit va ser el paper pintat). A Dessau mateix es duen a terme també urbanitzacions d’arquitectura experimental per a obrers, explorant la modularitat i la bifuncionalitat dels objectes.

In March, the municipal council of Dessau, on the initiative of the Lord Mayor Fritz Hesse, decides to take over the Bauhaus as a municipal school. Classes start in Dessau at the beginning of April. With the exception of Marcks, all the masters of form follow the school to Dessau; many masters and pupils, however, are hesitant, and wait until the summer months to come to Dessau. Some former students take over the workshops as “young masters”: Herbert Bayer heads the workshop for printing and advertising, Marcel Breuer the cabinet making workshop. Then there are the workshops for metal, weaving, wall-painting, three-dimensional work, and the stage. Neither the pottery nor the wood and stone sculpture workshops are recreated in Dessau. Gropius proclaims a new program dominated by the importance of industry and science for design. He declares that the aim of the Bauhaus is to achieve a “development of modern housing” “from the simplest household appliance to the complete dwelling”. Gropius calls for “systematic experimentation, both in theory and practice - in formal, technical, and economic fields”. He describes the workshops as “laboratories” for the production of prototypes for industrial production. In June, the first “Bauhausbücher” (Bauhaus books) are published by Gropius, Moholy-Nagy, Klee, Kandinsky, and Mondrian.

http://www.bauhaus.de/english/bauhaus1919/zeittafel1919.htm

El 1928 hi ha un canvi d’orientació quan Gropius deixa la direcció i l’assumeix el seu amic Hannes Meyer (també arquitecte). Si bé hi ha creta simpatia socialista en el programa de Gropius, Meyer és obertament militant i enfoca la Bauhaus més cap ‘al bé social’, com ho feien els russos.

At the suggestion of Gropius, Hannes Meyer is appointed director. Meyer advocates a more scientific approach in the work and the classes. He considers creativity to be an objective process, which derives from rationally tangible perception. Meyer criticizes the former work at the Bauhaus, accusing it of being too formalist, and demands the exclusion of aesthetic criteria.This type of design is more socially founded (”popular requirements instead of luxury requirements”) and is understood to be the most “correct for life”.

Però l’aparent ‘radicalitat’ del discurs de Meyer dura poc en un panorama polític enrarit i a les portes del Nazisme, el 1930 Meyer és destituït en contra de l’opinió dels estudiants i substituït mer Mies van der Rohe, arquitecte amb important trajectòria però clarament més conservador.

Student political involvement increases; accused for his communist tendencies, the director, Hannes Meyer, is dismissed by the city of Dessau. Following a recommendation by Gropius, the architect Ludwig Mies van der Rohe is appointed director in April; he assumes his post in autumn.

Mies van der Rohe reorganizes the curriculum into five sections: building, interior design, weaving, photography, and fine arts. The program has a closer-knit timetable, and is reduced to five semesters. The architecture course becomes more important, and, once technical problems have been dealt with, is strongly oriented towards aesthetic issues. The role of the workshops, and therefore of industrial design, is reduced.

Mies van der Rohe underlines an apolitical direction of the school in order to keep it out of public political discussion. He even adopts disciplinary measures, not allowing students publicly in favor of Hannes Meyer to enroll.

Ràpidament  el projecte es deteriora i molts dels mestres emblema abandonen l’escola.

El 1932 el partit Nazi guanya les eleccions.

La Bauhaus es trasllada a Berlin amb greus problemes econòmics i sota l’atenta mirada de la policia secreta. El juliol del 1933 l’escola es dissol.

A letter from the Secret State Police, dated July 21 concerning the re-opening of the school states several conditions; Kandinsky and Hilberseimer are requested to relinquish their position to staff “standing on the soil of National Socialist ideology” and the new curriculum should satisfy the “claim of the new state to its inner structure”.

http://www.bauhaus.de/english/bauhaus1919/zeittafel1919.htm

mireia 2009, General

Caso “Lo que España compra”

“El objetivo de este blog es muy sencillo, se limita a recoger todas las listas de la compra que la gente deja olvidadas en los carros y en las cestas de los supermercados para comprobar qué es lo que realmente compran los españoles. Lógicamente, este blog carece de cualquier valor estadístico”

Además, no sólo recolectan listas de compra, sino que después las analizan detalladamente.

Blog: http://loqueespanacompra.blogspot.com/

 

 

Caso: “Picture Show: You Are What You Eat”

“GOOD is featuring a collection of photos by Mark Menjiar of many household’s fridges and what magical wonders they behold. Some are looking pretty fresh while others could probably use a dumpster and a tub of Clorox”.

Fuente: http://thedailydairy.com/2009/05/you-are-what-you-eat/ 

“We purchase refrigerators the way we fill them: out of necessity—to preserve the milk; to keep the greens from wilting. But from the right vantage point, an open fridge is the perfect staging grounds for a discussion of consumption. And if the aphorism holds true—if we really are what we eat—then refrigerators are like windows into our souls. It’s that sentiment that’s at the heart of Mark Menjivar’s inventive exploration of hunger, “You Are What You Eat,” for which he photographed the contents of strangers’ refrigerators. As you can see, whether it holds neatly ordered rows of labels-out condiments or zip-locked stacks of shot-and-gutted buck meat, there’s almost certainly a narrative to a fridge’s arrangement.”

Fuente: http://www.good.is/post/picture-show-you-are-what-you-eat/

elisa_padron 2009, General